oQdopiraque

"Melancholia", 2011, Lars Von Trier

2011-09-20T15:10:00.000-07:00

Há um ‘Grande Plano’ para a vida na Terra?

Lars Von Trier, o iconoclasta.

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É o dia do casamento de Justine (Kirsten Dunst). Ela está noiva de um rapaz muito charmoso e devoto, tem uma carreira promissora e, aparentemente, uma bela família. Sua irmã, Claire (Charlotte Gainsbourg) junto a seu marido, John (Kiefer Sutherland) prepararam-lhe uma festa de arromba para comemorar as bodas tão esperadas.

Porém, há algo de estranho no ar.

Justine encontra-se completamente perturbada e angustiada. Entre uma dança e um brinde, Justine sente a necessidade de se retirar, de sentir o ar fresco e de refletir sob a luz das estrelas...

Justine está diante de uma decisão que marcará sua vida até o fim. Escolheu, portanto, o momento perfeito para uma intensa sessão de contemplação e desespero.

Claire, por outro lado, é uma mulher serena e tranquila. Casou-se com um homem brilhante que lhe deu um filho maravilhoso.

Ainda assim, algo também a desconcerta tremendamente.

Está nos jornais – Um planeta, de alcunha Melancholia, foi descoberto detrás do sol, escondido. Sua rota, segundo os cientistas, está apontando justamente para o 3^o planeta do sistema solar. A previsão é a pior: Um choque inevitável, e assim, o fim dos tempos.

Justine passa a querer 'entender' tal catástrofe.

Claire quer somente correr dela.

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Lars Von Trier e os sentidos.

Melancholia dialoga com a percepção do homem.

A visão sobre si, sobre os outros e o mundo.

E, talvez, o futuro.

Lars Von Trier, o Existencialista?

O Político?

O Sátiro? Ou Sádico?

Dias atuais, dias esses de insegurança, medo e medidas desesperadas. Os tsunamis, o aquecimento global e ainda os eternos enriquecimentos ilícitos. Irã, Israel e a Palestina. A economia americana ‘going down the drain’ e, assim, 15% dos cidadãos americanos atingindo a linha da pobreza.

No Brasil, o preço da banana ultrapassa o valor praticado em Nova York..

É, de fato, o fim dos tempos.

O que estamos fazendo com nossas vidas......?

As protagonistas, então, exibem duas formas de existir: para-si, e para-os-outros.

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Justine & Claire tem algo em comum – Ambas teriam plena capacidade de usufruir de uma vida farta, empreendedora e feliz. Porém, enquanto Claire permanece alienada - fechada numa espécie de microcosmo, isolada do mundo, de costas para todos, numa vidinha à três, tacanha e quase primitiva, Justine resolve eclodir para o mundo, resolve conceber o Grande Plano, o sentido de sua vida, e assim sendo, o sentido da vida na terra.

Uma, luta desesperadamente para salvar seu filho; aquele que dará, supostamente, continuidade a uma espécie.

A outra questiona a própria continuidade em si.

Questiona o impacto dos outros sobre si e vice-versa.

O olhar dicotômico de Lars Von Trier: Estamos todos deprimidos? Deveríamos estar? Ou este quadro maníaco que se encontram todos, inclusive Claire, é a solução..?

A salvação...?

O deprimido não vê sentido em nada.

Melancholia é quase uma ópera - De fato, o planeta caminha para um lugar obscuro.

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Assim como Tarkovsky, Lars Von Trier, é alguém que parece ter nascido para expor minuciosamente algumas experiências restritas aos homens. De fato, é visto por alguns como um sádico, alguém que faz das cenas bizarras, dos momentos dolorosos, uma via de conexão entre ficção e realidade. O cinema de Lars Von Trier tem um propósito claro – quase que desenhar o suplício, o tormento e a angústia de seus personagens, necessariamente deixando alguns pontos, nunca discutidos, muito, muito claros. Os filmes servem apenas como forma de discutir teorias de várias áreas do conhecimento através da dor destes personagens.

Dançando no Escuro, Dogville & Anticristo dispensam explicações.

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Kirsten Dunst, contemplada com o prêmio de Melhor Atriz em Cannes, construiu uma personagem profundamente deprimida com louvor. Sua falta de conexão com o mundo impressiona. A apatia, a desmotivação e a sensação do ‘Nada’ (Sartriano) deram a Justine uma coerência filosófica indescritível...

Charlotte Gainsbourg foi menos exigida em Melancholia do que em Anticristo. Contudo, sua Claire, ao desconstruir o estado de alienação total, promove cenas dramáticas de uma delicadeza ímpar. O descobrimento da vida à beira da morte - lindo.

Lars Von Trier transformou um "filme-catástrofe" num drama enxuto e contudente.

Cada plano, cada atriz e cada momento são repletos de pensamentos, dúvidas, medos e arrependimentos. O ser humano em "pure flesh n bone".

Uma câmera próxima.

Um drama psicológico intenso e invasivo.

E um texto brilhante e mais que pontual. Em cada frase uma pancada...

Não há escapatória senão pensar no que foi feito.

Simplesmente, um protesto.

Fica dica.

Nota bene - Os primeiros 35 minutos do filme são inteiramente descartáveis.

"A Origem do Planeta dos Macacos", 2011, Rupert Wyatt

2011-09-13T08:42:00.000-07:00

Uma série de equívocos permeiam a execução de testes que buscam uma cura para o Mal de Alzheimer, e assim, macacos usados como cobaia, passam a desenvolver uma inteligência assombrosa que os levam a querer a liberdade e a independência…

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Não existe nada mais precioso que o tempo.

É ele o responsevel em glorificar personalidades, estabelecer espiritos de uma época e, claro, eternizar grandes filmes.

Há exatos 43 anos, diante de alguns homens à beira-mar, a imponente estátua da liberdade foi descoberta enterrada até o nariz, abatida e largada para o esquecimento. Tal espetáculo, concebido por Pierre Boule (tambem autor do festejado A Ponte do Rio Kwai) faz parte de uma das maiores histórias de ficção cientifica já carregadas para o cinema. Tomado por um suspense especial e satírica inteligencia, O Planeta dos Macacos marcou uma época: não só surpreendeu a todos com seu roteiro criativo e gran-finale retumbante, como estabeleceu um novo padrão de qualidade em maquiagem, figurino e trilha musical.

O filme original conta a história de uma tripulacão de astronautas que caem num planeta estranho e peculiar num futuro bem distante. Lá encontram uma sociedade onde macacos são inteligentes, desenvolveram uma linguagem e os seres humanos ali encontrados são tratados como bestas de um zoológico.

Dada sua preciosidade, em 2001, O Planeta dos Macacos foi registrado na Livraria do Congresso Americano, no National Film Registry como um filme culturalmente, historicamente e estéticamente significativo para a história dos EUA. Um filme com 89% de aprovação entre seus espectadores e listado como um dos 500 filmes mais importantes da história do cinema.

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O tempo foi, portanto, muito duro para alguns idealizadores.

Afinal, quais outros filmes de sci-fi espantaram seus espectadores de forma tão cativante?

Poucos. Muito poucos…

E por isso, em 2011, experimentaram realizar o prólogo desta esplendida história.

Quem não tem o sonho de fazer algo grandioso?

E o resultado? Medíocre, infelizmente.

Assim como a maioria dos “sequels”, os “prequels” (tão na moda hoje em dia) pecam justamente por não terem um roteiro à altura de seus antecessores, bem como um assunto sólido e bem esclarecido. Enquanto o original é uma amarga parábola sobre a conduta do homem e a evolução da ciencia, A Origem do Planeta dos Macacos resume toda a questão de forma modesta e superficial.

Em outras palavras: esperava-se um roteiro mirabolante.

Ao contrario, se vê uma sucessão de furos e situações duras de engolir. Durante a sessão é possível enxergar, no rosto dos espectadores, uma expressão de incredulidade diante de tal festival de absurdos…

Exemplo -

Quando que num laboratório de altíssimo padrão, uma macaca tratada com um tonificante neural, que nitidamente acentua sua agressividade, pode ser realocada para uma outra jaula apenas por dois homens – sendo um deles um gordinho bunda-mole e o outro um anão…

………………….?

Como pontos positivos sobram apenas as atuaçoes de James Franco, John Lithgow (excelente como sempre) e Andy Serkis que faz o macaco César, o primeiro a desenvolver a super-inteligencia. Os três cumprem bem os papeis mesmo diante de um roteiro tacanho. Assim como os efeitos especiais – São excepcionais e rendem belas cenas de ação.

Vale a pena apenas num daqueles dias chuvoso onde uma mórbida curiosidade pode reinar.

A dica não fica.

-> Trecho de uma entrevista com Andy Sarkis segue abaixo -

The great thing about the original film is that it was an upside down world where the humans were slaves and the apes were their overloads. You play the character that’s going to usher that world in, so how do you sort of keep the sympathy of the character whose destiny is subjugate every single person sitting in this tent?

AS: That’s a really good question and I think the thing is we’re playing him…you do see his journey from being, how he responds to brutalization and witnessing brutalization and bullying and all these shocking things because he’s brought up as an innocent. He’s quite innocent and you see his journey from innocence into moments of realizing that actually it can be a cruel world out there. And he has been brought up because Will, James Franco’s character and John Lithgow’s character, they’re incredibly humanitarian. He’s been brought up in a loved family. In a way you’ve got to forget that he’s a chimp, you treat him as a child whose been brought up in a loving environment then suddenly being subjected to brutalization and seeing, when they go to the Ape Sanctuary, it could be any institution which has bullying and mistreatment and some kind of person who is dominating and subjugating other people. So you will feel sympathy because you will see how this young mind is witnessing brutalization I guess.

"Amor à toda prova", 2011, John Requa & Glenn Ficarra

2011-09-10T19:30:00.000-07:00

A comédia romântica mais sensata, própria e atraente dos últimos tempos e, certamente, desta temporada.

Uma brilhante interpretação sobre o que é o amor.

Cal (Steve Carrell) é um típico quarentão acomodado. Casou-se com sua 1^a namorada e passou os últimos 25 anos enclausurado dentro de casa e sem grandes ambições. Não tem, portanto, a menor idéia de como seria uma vida mais divertida. Emily (Julianne Moore), não só acredita que sua vida está chata, parada e sem emoção como vê Cal como um senhor bunda-mole.

Emily decide, então, pedir o divórcio.

A noticia abala radicalmente a moral de seu filho, Robbie (Jonah Bobo). Pertinentemente, Robbie passa por um desafio amoroso e espelhava-se na suposta relação funcional de seus pais. Robbie, como todo moleque safado, só quer saber de Jessica (Analeih Tipton) a babá de sua irmã caçula. Porém, Jessica só quer saber de uma coisa: está completamente apaixonada por um homem que poderia ser seu pai – justamente, o simpático e letárgico papai de Robbie, Cal.

Cal, deprimido e rancoroso, passa a alcoolizar-se todos os dias num agitado bar da cidade. Eis que, coincidentemente, frequenta este mesmo lugar um formoso rapaz, Jacob (Ryan Gosling) a própria antítese de Cal. Jacob é, como os americanos gostam de dizer, um “Womanizer” – um homem que somente procura breves e várias relações sexuais e que tem ojeriza a relacionamentos. No brasil, o velho e bom “galinha”.

Numa agradável noite, Jacob, percebe entre um flerte e outro, a presença quase mórbida de Cal, e o chama para bater um papo. Por mais surreal e inusitado que pareça, não só Cal lhe dá ouvidos, como Jacob o convence de contratá-lo como seu “personal sexual-stylist”. Jacob promete, então, uma virada inesquecível na vida de Cal – irá transformá-lo num homem ativo, interessante, charmoso e conquistador. Garante que, após esta mudança, sua mulher irá correr para os seus braços novamente.

Contudo, erotizar todas as moças da cidade, inclusive a professora de literatura de Robbie, dia e noite, até ganhar confiança e sua hombridade de volta, não é exatamente o que Cal estava esperando acontecer nesta altura de sua vida...

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O que torna a história de Dan Fogelman tão fascinante?

Em primeiro lugar pela comicidade. Não há no texto uma piada fora do lugar, um momento desagradável ou constrangedor. Pelo contrário, o drama vivido por Cal, torna-se cada vez mais crível e envolvente onde o humor vem apenas para pontuar algum absurdo ou outro que a vida nos prega.

Aliás, o aspecto quase burlesco ou de "farsa" que o deixa realmente inteligente. Rir de temas dramáticos, coisas do cotidiano, situacóes e temas convencionais, e enfim, este olhar critico sobre o comportamento atual, é o que deixa a comédia verdadeiramente rica.

O filme dirigido por John Requa & Glenn Ficarra tem como mérito principal não dar lição de moral, nem induzir sentimentos ou frases alienadas daquelas a que estamos acostumados.

Ao contrário, conduz um simpático libelo a favor do que é realmente importante no que diz respeito a esse sentimento tão complicado.

A relação.

"A magnificência de um relacionamento sagrado se despedaça nos recifes dos conflitos egocêntricos triviais."

Emily não sabe dizer a Cal o que a deixa realmente viva. Na verdade nem ela sabe. Afinal, o que ela tanto procura num homem....?

Cal, ao perceber a facilidade que é “conquistar” uma mulher e levá-la para cama, nota que deixou de conquistar, todos os dias, a mulher mais importante de sua vida. Em que momento acabam as conquistas...?

Jacob vive uma eterna negação. De tão acostumado aos fáceis prazeres da carne, acabou deixando de lado alguns outros prazeres mais saborosos. “Conhecer" - ter perfeito conhecimento de alguem, dos méritos ou caráter de uma outra pessoa, é algo que o rapaz nunca viveu, e portanto, que não tem a mais pálida idéia do que seja.

Jessica e Robbie são perfeitamente saudáveis – jovens e apaixonados – aprenderão com a rejeição que amar tem percalços a serem superados.

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Steve Carrell entregou a melhor performance de sua carreira. Não só arrasa como comediante como surpreende em outra seara - pontua o texto com primor e exibe ali qualidades de um ator dramático de primeira linha.

Julianne Moore, como visto em The kids are all right, acerta mais uma vez. Deu o apoio perfeito a Carrell, conferindo a Emily esse estado inseguro e indeciso. O equilibrio entre o drama e a comédia acontece em torno de Julianne Moore, uma atriz madura, atraente e iluminada. Afinal, um casal delicioso de se ver. E uma história fantástica para se torcer...

E Ryan Gosling: ator cada vez mais seguro e espontâneo, que exibe um Don Juan muito divertido.

Conseguir reunir atores primorosos, um texto inteligente e impagável é algo raro.

Atingir tanto êxito ao dialogar sobre algo tão batido e elementar quanto o amor, e de forma tão pura e usual, é algo extraordinário.

A responsabilidade está na mão de quem ama e quer ser amado. Tão simples e tão complicado...

Glenn Ficarra e John Requa acertaram em cheio. O amor é algo arrebatador e indescritível...

Um filme que oscila entretenimento e conteúdo com perfeição.

O sonho de qualquer cineasta. Um orgulho para o cinema americano.

FicaDica.

"Árvore da Vida", 2011, Terrence Malick

2011-09-04T12:49:00.000-07:00

Este ano o filme vencedor do Festival de Cannes obteve um acolhimento sui generis. De um lado, ovações, gritos e uma plateia surpreendida por uma sucessão de imagens, figuras e metáforas impressionantes. Do outro, rostos pasmos com a ousadia de um diretor, que ao experimentar e transcender, criou um filme de complicada estrutura, e que não conquistou os mais conservadores. Sendo assim, uma falta de empatia latente ecoou naquela sala de projeção.

Terrence Malick, o autor da proeza, é conhecido por aparecer pouco na mídia, por fugir de eventos sociais e até em pedir para que sua imagem não seja usada em material promocional. Característica que torna portanto seus roteiros mais enigmáticos. Formado em filosofia, e mais precisamente, sob a “tutela” dos ensinamentos de Heidegger, é natural que se entenda o ponto fundamentalmente existencialista de seus filmes.

Em linhas breves, o movimento existencialista preconiza que a visão do homem e o sentido de sua vida, se dá a partir de suas próprias experiências e do subjetivo. Que o homem não foi criado para uma finalidade assim como os outros objetos, e que ele se faz em sua própria existência. A experiência, assim, precede a essência. Finalmente, que justamente esta falta de sentido e direção ‘correta’, que dá a liberdade ao homem, é o que causa ironicamente sua ansiedade, sofrimento e desespero, e que o guiará até a morte, de onde não há saída. Segundo Sartre, somos um eterno devir, de ideais e ações, e o Nada aparece como a grande sombra ou dívida da existência humana.

Terrence Malick faz uso dessa premissa em pelo menos alguns de seus filmes. Badlands, seu 1^o longa-metragem, discute justamente o que o homem pode fazer com sua liberdade. Além da linha Vermelha aborda o subjetivo, o psicológico, as relações e suas consequências, e assim tem apenas como pano de fundo, o cenário da guerra.

Malick sublinha, portanto, exatamente o que caracteriza o ser humano – a capacidade que temos de nos interrogar sobre o sentido da vida. E o que é O Grande Plano? Sua tese é tentar descobrir como o homem irá fazer para saltar de sua condição cotidiana para atingir um verdadeiro “eu”.

Desta forma, fica clara a vontade de Malick em realizar um filme que explore as origens da vida na terra. Uma fábula que palpita uma resposta através da história de uma família e suas relações com o amor, a morte, reconciliações e o sofrimento. Uma história culturalmente e historicamente significante.

Divago.

A Árvore da Vida será, portanto, a única crítica deste blog a não ganhar uma resenha.

Pois não é necessária.

Terrence Malick é um homem altivo.

Constituiu tanto tecnicamente como filosoficamente uma obra única e singular.

Comprovou que fazer cinema vai além de vãs filosofias (e métodos) e que experimentar é algo sinistramente enriquecedor.

Tentar compreender a vida, é senão a maior, uma das mais interessantes questões que nos diz respeito.

Uma experiência cinematográfica inesquecível.

E nesta afirmação não há juízo de valor.

Fica a dica.

"Capitão América", 2011, Joe Johnston

2011-09-02T15:04:00.000-07:00

Estamos durante a Segunda Guerra Mundial, a Alemanha ostenta uma força avassaladora liderada pelo demente Caveira Vermelha (Johan Schmidt) e os Aliados se vêem à beira de um desastre iminente. Os EUA, abalados e inquietos, procuram uma estratégia, um trunfo, mas nada parece adiantar. Até que aparece um certo cientista com uma daquelas idéias malucas… Um homem que inventou uma pocão mágica que tornará qualquer homem, qualquer soldado, imbátivel. Porém, não basta força física em si, e sim, brio e distinção, por incrivel que pareça…

Paralelamente, em meio ao caos, surge um moço, Steve Rogers (Chris Evans) - garoto franzino, mirrado e abusado – que nitidamente tem nada a oferecer, mas que aspira ardentemente a ser recrutado pelo exército Americano. Junto à ele, centenas de rapazes altos, fortes e másculos (rs) participam de uma avaliação dura, De cara, Steve é logo rejeitado, mas aos poucos sua índole passa a chamar a atenção dos generais mais atentos que logo vêem no rapaz a chave para esse complicado experimento - A aplicação do soro do “super soldado”!

O resto é sabido:

Rapaz toma o soro, a fórmula se perde, ele passa a ser o único super soldado do exército e a Guerra parece ter um fim terrível. Porém, somente até que Capitão América se lança com seu escudo feito de vibranium em busca do sanguinário Caveira Vermelha.

Capitão América assim como o Super-Homem foram criados com um propósito: Inebriar as mentes de jovens com idéias sobre o bem e o mal, justiça, coragem e um espírito nacionalista. Desta forma, tanto o franzino Rogers como o E.T mais famoso do mundo, tem hoje, como “complicômetro”, a dificuldade de terem suas histórias adaptadas às telas dos cinemas sem parecerem moralistas demais, repetitivas, óbvias, chatas e nada criativas.

Afinal, um homem praticamente invulnerável, com uma personalidade inabálavel e um sentido na vida indiscutível é mais ficcional do que, até, um Kryptoniano.

Entende-se que quando heróis se aproximam das pessoas comuns, dividem dificuldades em comum e mostram seu lado podre, estes ganham maior notoriedade e são capazes de capturar verdadeira atenção de espectadores – Vide Batman, Os X-men, Watchmen e assim por diante...

A invulnerabilidade de Kal-El cansou. Não é mais hype ser o máximo. Enfim, coisas da modernidade. Do mesmo jeito, a benevolência de Steve Rogers que faz qualquer um bufar irritado na cadeira.

Logo, o filme Capitão América, e sua história – que retrata e reforça todas esses clichés - traz uma sessão nostálgica apenas simpática; uma que passa longe de dar uma repaginada no heroi, deixando ali duas horas de mamão com açucar e muito lenga-lenga.

Se trata de um roteiro muito simples, sem grandes questões e um Capitão América ainda “engatinhante”. Um filme de ação decepcionante.

Direção de Joe Johnston (O Lobisomem, Jurassic Park III, Jumanji e Querida, encolhi as crianças) é regular, sem grandes perturbaçoes; assim como as atuações – esforçadas em trazer leveza e humor mas que morrem exaustos na praia.

Ter em mente que se trata de um super-herói, que é um filme para criança não é um argumento dos mais toleráveis.

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O problema, talvez, seja a tal da expectativa -

Existe um teoria que diz o seguinte – uma pessoa só aplica esforço se há uma chance de alcançar um determinado objetivo. Alcançar uma boa performance pode fazer com que aconteça determinado resultado. A performance deve ser alcançável pelo sujeito em questão. Objetivos inalcançáveis são desmotivadores. De acordo com a teoria da expectativa, a quantidade de esforço que uma pessoa exerce em uma tarefa específica depende da expectativa que ela tem de seu resultado.

Isso seria suficiente para “explicar” a origem do Capitão América.

Steve Rogers “deu certo” mesmo sendo aparentemente a própria antítese de um herói -deu certo por que simplesmente vislumbrou tal possibilidade e "fez por merecer" o título de herói nacional. Ou seja, quase um quadro esquizofrênico.

Pena que essa teoria não funciona para nós, reles mortais.

Afinal, a expectativa seria a de que este filme, que antecede Os Vingadores, iria emplacar seu maior herói com louvor e glória...

A dica? A dica fez a curva em Albuquerque e foi para a Alemanha ressucitar o Caveira Vermelha.

"X-Men: First Class, 2011, Matthew Vaughn

2011-06-29T08:24:00.000-07:00

Charles Xavier (James McAvoy) sempre foi um rapaz estudioso. Sua mutação genética somada a sua inteligência invejável sempre o “incomodou” a ponto de achar que portara uma doença grave. Aos poucos isso foi mudando; Charles passou a ter interesse em compreender o que havia de errado com ele e sua irmã adotiva – Raven Darkholme, de alcunha, Mística (Jennifer Lawrence). Juntos, os dois atravessaram os anos da faculdade curiosos a respeito de outros mutantes, até o dia em que Charles graduou-se com o tíitulo de doutor em Genética, abrindo-lhe, dentre tantas portas, uma em especial – a da segurança nacional.

Moira McTaggert (Rose Byrne), espiã do governo americano acaba de fazer uma descoberta avassaladora sobre um pícaro chamado Sebastian Shaw (Kevin Bacon)– um homem capaz de iniciar a 3^a Guerra Mundial.

Eric Magnus Lehnserr (Michael Fassbender) fora um dos prisioneiros de Auschwitz. Viu, ali, seus pais serem assassinados além de ter sido cruelmente torturado e tutelado por uma vil criatura. Ninguem menos que o mesmo Sebastian Shaw, claro... Durante os anos, Erik viciou-se na idéia de vingança – perseguiu todos os ex-generais do exército nazista a fim de encontrar aquele que tornou sua vida uma desgraça.

E finalmente chegou o dia em que saberemos como a mente mais poderosa do mundo e o mestre do magnetismo se tornaram arqui-inimigos.

Papo de nerd? Nada disso, papo sério...

A Marvel Studios prometeu e, de fato, entregou a história que dá inicio a equipe de heróis mais celebrada do planeta. Assim como nos quadrinhos, a 1^a equipe de Charles Xavier em “Primeira Classe” não agrega os ilustres Cyclops, Tempestade, Wolverine (não por falta de pedido), Vampira e Colossus. Houve certa adaptação para os dias de hoje com a inserção de Mística e Darwin, mas nada que deixe os mais aficionados frustrados.

Houve, na verdade, uma esperta mistura de fatos que deixou o espectador apenas curioso para saber como é que a história irá se desenrolar.

Tudo que Mathew Vaughn não pode realizar ao dirigir o excelente Kick-Ass foi atendido em X-men: First Class – efeitos especiais e cenas de ação dignas dos heróis em questão – Fera com suas habilidades acrobáticas e famosa pelugem azul, Banshee e seus gritos espantosos, Alex Summers e a telepatia de Emma Frost. Além de exibir um mestre do magnetismo emergente, incipiente e ávido para destruir quem atravessar seu caminho.

Não obstante, o elenco encabeçado por James McAvoy (Atonemente, Ultimo Rei da Escócia, The Last Station) e Michael Fassbender, torna X-men:First class um filme com atuações nada infantis. Fassbender é Magneto, sem tirar nem por... Kevin Bacon e Jennifer Lawrence dão peso e sentido para seus personagens de forma muito natural e nada caricata, como de se esperar... Até Hugh Jackman dá o ar da graça com uma única e contundente frase!

Brian Singer está por trás de X-Men: First Class, coisa que confere certa credibilidade, logo que X2 foi, sem dúvida, o melhor filme dos mutantes até agora. Um filme que poderia conter mais cenas de ação, mas que conseguiu rechaçar toda fofoca de que seria uma fraca experiência cinematográfica.

De fato, nada monumental, mas um sutil e divertido “re-começo”.

Fica a dica.

PS: encontraram até, um jeito inteligente de dar origem ao afamado capacete de um dos maiores 'vilões' dos quadrinhos...

"Kung Fu Panda 2", 2011, Jennfier Yuh

2011-06-17T09:48:00.000-07:00

“Chegar a um entendimento de si; se aceitar; torna possível atingir uma paz interior, a qual permite que o individuo faça o que quiser e atinja qualquer objetivo.”

E assim apregoa o pequeno-sábio panda vermelho, Mestre Shifu (Dustin Hoffman).

O que acontece a um templo Kung Fu quando um panda atordoado, para não dizer outra coisa, passa a conviver 24/7 com seus mais diligentes membros?

Caos.

Foi se a época de criar mitos benévolos, fantasiosos e moralistas.

O mundo agora reúne milhares de atrapalhados, gordinhos, quatro-olhos, geeeks e nerds, os quais tem uma lista de “heróis” que não são necessariamente fortes, valentes, espertos e destemidos. Estes tem apenas “a possibilidade” de - se quiserem - ser aquilo que almejam.

O mundo mudou, a mensagem mudou, e assim, seus protagonistas também mudaram...

Talvez a grande jogada do momento seja esta: realizar filmes infantis mas que são nada singelos. Filmes que zombam constantemente de alguns preceitos mais caretas, digamos.

Kung Fu Panda 2, assim como o primeiro, se trata de uma versão light dos filmes politicamente incorretos. Trocaram quatro tartarugas saradas por um urso gorducho, cômico, meio bobo da corte, que aparentemente não serve para nada e ainda - preguiçoso, malandro e fora de forma - MAS que possui algo suficiente que o faz salvar o dia e com louvor:

A crença em si mesmo.

Desta vez, Po (Jack Black), recebe de seu mestre a incumbência de salvar das garras de um terrível vilão, Shen (Gary Oldman), uma vila habitada por inocentes. Parece que a história da adoção de Po está atrelada a história do tal crápula, e assim, o herói alvinegro parte em busca do mistério que envolve sua origem.

De fato, o roteiro não é um que surpreende e tem basicamente o mesmo esqueleto que o primeiro filme. Por outro lado, se trata de um filme que divide equilibradamente os quesitos ação/emoção além de nitidamente ter investido em tremendas tiradas e piadas.

Os encontros entre Po (Jack Black) e Shen (Gary Oldman), são escrachadas sátiras sobre o “bem” encontrando o “mal”- Impagável!!!

Kung Fu Panda 2 é, portanto, um respeitável ‘clone’ do antecessor. Certamente diverte “crianças” de 5 a 35 anos de idade com suas piadas geniais.

Ficadica!

"O poder e a Lei", 2011, Brad Furman

2011-06-10T07:27:00.000-07:00

Louis Roulet (Ryan Philippe) é um playboy que não foge à regra – feição de bom moço, airoso e envolvente. Contudo, suas ultimas extravagancias fugiram ao controle levando-o a se complicar com uma investigação policial. Ocorre em Los Angeles uma agressão e tentativa de assassinato à uma prostituta. Assim, duas hipóteses são diagnosticadas - Uma onde Roulet é apontado como o agressor e outra onde a moça é a acusada de falsa imputacão de prática delitiva e, consequentemente, perjúrio – ou seja, que tudo se trata de um golpe audacioso arquitetado pela própria onde tenta cavar um processo por perdas e danos contra o abastado rapaz.

Mick Haller (Matthew McCounaghey) é, então, acionado pela família Roulet para montar uma tese de defesa para Louis. Conhecido por se meter a defender inomináveis criminosos e casos absurdos, além de conseguir absolvições quase milagrosas - motivo o qual levou ao fim de seu casamento com Maggie (Marisa Tomei), já que a mesma, como advogada, trabalha para incriminá-los - Mick Haller tem agora diante de si um processo árduo e mais que cabeludo; uma família que mal sabe o significado da palavra ‘escrúpulo’ e, à tira-colo, um rapaz insanamente; perdão, sinistramente angelical.

Quando, justamente, algumas peças passam a se encaixar, investigações paralelas atravessam o caso de Roulet se misturando a outros crimes não resolvidos, abrindo então, margem para uma suspeita de crimes em série. Coisa que Mick e seu colega Frank (William H. Macy), não estavam preparados. Mick Haller tem, portanto, um caso que fatalmente o faz pensar em questões morais – a ameaça a sua carreira e amigos o leva a ultimas instancias e a tomar medidas mais que ardilosas.

Há muito tempo, com excessão de Os Homens que não amavam suas mulheres de Stieg Larsson, não se via um filme com roteiro tão engenhoso e perspicaz. "O poder e a lei" se trata de um cativante drama que discute até onde os preceitos a que um indivíduo se submete podem interferir nas suas escolhas e saídas - Uma verdadeira sinuca de bico. Advogar pode ser algo teatralmente fascinante...

O poder e a lei, roteirizado pelo criativo John Romano (Early Edition, Monk, etc), não poderia ter outro resultado senão deixar todos chumbados e soldados as poltronas do cinema com olhos esbugalhados e atentos. Um filme permeado com ligeiras porem impactantes reviravoltas que trazem um clima de acusações e cenas de tribunais primorosas e acuradas.

O estreante diretor Brad Furman debuta com ar e graça – impõe uma câmera “na mão” tensa e trêmula que transmite muito bem uma excitante história. Além, é claro, de ter selecionado um tremendo elenco. Marisa Tomei, William H. Macy, John Leguizamo, Josh Lucas, Frances Fisher, Michale Peña e Bob Gunton – todos pouco conhecidos – mas que dão um suporte respeitável ao protagonista e antagonista do filme.

Tanto McCounaghey como Philippe rendem muito bem em seus papeis.

Um suspense próprio e memorável.

De Michael Connely, claro...

Ficadica!

Assistam o trailer - http://bestmoviesevernews.com/lincoln-lawyer-new-trailer/

"Agentes do Destino", 2011, George Nolfi

2011-05-31T17:03:00.000-07:00

Philip K. Dick foi sem dúvida um ícone da ficção científica. Além de uma vasta obra literária, seus descendentes podem dizer que Philip deixou um legado mais que arrebatador, espantoso e convincente no que concerne uma visão do futuro. Algumas delas, por assim dizer, foram adaptadas para o cinema - o leitor pode a partir das seguintes obras tirar suas próprias conclusões - Blade Runner, O Vingador do Futuro, Minority Report e O Pagamento são algumas delas.

Contudo, algumas adaptações nem sempre conseguem convencer plateias. Seja pela inabilidade em trasladar as minucias de um obra literária para aqueles 120 minutos corridos de um filme ou, como no caso do filme em questão, pela proposta de transformar um conto em algo maior usufruindo de ideias fantasticamente mirabolantes... (sim, cabe o pleonasmo).

Temos, então, Agentes do destino. David Norris (Matt Damon) é um jovem aspirante a senador pelo estado de NY. Conhece, no dia que perde a eleição, a encantadora bailarina Elise (Emily Blunt). Daquele dia em diante sua vida muda. Ele que fora um homem totalmente focado em trabalho e em sua carreira promissora, agora passa a vislumbrar como seria uma vida a dois – cai, portanto, de amores pela tal dançarina. Porem, alguém “lá de cima” não concorda com esse destino ordinário para o rapaz e, assim, lança mão de um esquadrão de agentes (feito anjos) que devem fazer de tudo para que os dois não se encontrem. Parece que David ao se casar com Elise irá focar na família e desperdiçar seu talento para a politica – o que num plano maior seria horrível para o governo dos eua e o futuro da nação, já que David é o único político com um potencial revolucionário.

David fará de tudo um pouco para encontrar Elise nem que seja preciso enfrentar “aquele que tudo vê”.

A principio uma ideia irreverente...

Faltou apenas menos complicação – por mais confusa que pareça essa afirmação. Toda realidade tem seu conjunto de regras, as quais existem justamente para dar sentido a mesma. Logo, quando se trata de um filme que deseja transpor ser humano com anjo, tuneis dimensionais que servem como passagem e assim por diante, a credibilidade cai num terreno perigoso – filme para adultos ou para crianças? Afinal, ingenuidade existe para isso, diga qualquer coisa para uma criança com propriedade e a “verdade” se estabelece. “Agentes do destino” explica mal a função desses agentes, o que eles podem ou não fazer, de onde vieram, quem está no comando and so on...

Chega uma hora onde o espectador desiste de entender a história. O que causa tremenda frustração já que “ficção científica” feita com excelência é aquela que ao terminar, você pensa – “Sen-sa-cio-nal...!!” - Exatamente como é a experiência com aqueles filmes citados acima.

Adaptado do conto, “Adjustment team”, onde Philip K Dick ensejou uma discussão sobre o livre-arbítrio, o filme “Agentes do destino” nada tem a agregar ou surpreender. Valem apenas as participações de três ótimos atores – Matt Damon, Emily Blunt e Terrance Stamp que seguram a onda e não deixam o filme escorrer pelo ralo.

Há, ao menos, uma mensagem interessante mas que pode ser extraída de outros lugares... Certo Lady Gaga...?

A dica não fica.

''Water for elephants", 2011, Francis Lawrence

2011-05-27T09:54:00.001-07:00

Uma história de amor exemplar.

Jacob (Robert Pattinson) tinha uma vida simples, bucólica e feliz. Estudava veterinária e seguia empolgado com a ideia de assumir a clinica do velho pai. Num dia como outro qualquer, recebe uma visita inesperada da policia local – a noticia que seus pais teriam falecido num grave acidente de carro. Dias depois recebe mais noticias “fantásticas” – todo dinheiro que herdaria, bem como a clinica e a casa onde mora seriam utilizadas para pagar dívidas que seu pai deixou.
Logo, Jacob se viu, literalmente, sem eira nem beira...

Jacob resolve, então, partir dali para esquecer tal desgraça. Eis que um trem passa pela cidade e sem pestanejar, Jacob o invade, rumo ao desconhecido. Logo o rapaz é surpreendido por duas curiosidades – 1) o trem é de uma trupe circense que, coincidentemente, estaria precisando de um veterinário e, 2), a mulher do proprietário do circo, Marlena Rosenbluth (Reese Witherspoon) é simplesmente encantadora e apaixonante.
August (Christopher Waltz), marido de Marlena, em contra-partida, é um homem difícil - tem uma personalidade intempestiva, além de um ciúme voraz de Marlena. Numa das paradas da trupe, August adquire uma elefanta muito simpática, Rosie, mas que também tem um gênio complicado. Marlena passa a treinar um número com a mesma e é Jacob quem fica encrarregado de tratá-la à pão de ló, já que é ela é o instrumento de trabalho da esposa do dono do circo.

Water for elephants, narra a trajetória desse rapaz que encontra três amores: Marlena - o proibido, O circo – o inusitado e Rosie – a perdição. Seu amor e afeto pelos animal levará Jacob a confrontar August como jamais imaginou faze-lo.

Um filme que explora a capacidade dramática de seus personagens, e needless to say, um que cumpre muito bem esse objetivo – Christopher Waltz dá um banho e traz um personagem bipolar, cruel e carente. Reese Witherspoon também garante atuação bem desenhada.

Robert Pattinson não faz feio!

Francis Lawrence, diretor de Constantine e Eu sou a Lenda embarca pela 1a vez num estilo mais contemplativo e sereno – dirigido com esmero.

Um filme mamão-com-açucar mais que bem-feito.

Histórias de amor ainda podem render grandes abalos...

Fica dica.

"Manhã Gloriosa", 2011, Roger Mitchell

2011-05-26T10:19:00.000-07:00

Uma comédia para ninguém botar defeito.

Manhã Gloriosa é um daqueles filmes que cativam justamente por abordar um assunto simples mas que, dada sua particularidade, gera uma curiosidade gostosa e despretensiosa. Muita gente desconhece a função de um produtor executivo de cinema e tv – é ignorada, portanto, a dificuldade e o desafio que tal ofício traz consigo.

Becky Fuller (Rachel McAdams) acaba de ser demitida de um programa de tv matinal bem ao estilo Ana Maria Braga. Depois de passar dias procurando um novo emprego surge uma oportunidade de trabalhar num programa,“Daybreak”, que está decadente e que vem perdendo ibope há meses. Sua apresentadora Colleen Peck (Diane Keaton) é adorada pelos nova-iorquinos mas seu programa já não tem mais o glamour de outrora. Assim que é admitida, Becky, passa a fazer sistemáticas mudanças nos quadros do programa – algumas funcionais e outras nem tanto. Com o passar do tempo, Becky, tornou um programa basicamente voltado para jornalismo num show de entretenimento. Porém, nada disso alavancou a audiência levando a mesma a ficar na corda bamba. Eis que numa bela manhã ensolarada Becky teve sua derradeira e insólita idéia – contratar Mike Pomeroy (Harrison Ford), tido como um dos grandes nomes do jornalismo americano (padrão Larry King), para ser ancora de “Daybreak”, junto a Colleen Peck.

Ao receber a noticia, Pomeroy ameaça uma síncope cardíaca. Que absurdo alguém com tanto renome, distinção e erudição ter a carreira resumida a um programa matinal - Pomeroy tem um acordo com a emissora que não lhe dá nenhuma opção senão topar a parada.

Et voilà: temos aí um embate épico – o produtor executivo que luta pela causa e um protagonista que esta se lixando pela mesma. Nada daquilo que Becky sugere à Pomeroy convence o sexagenário. O tal apenas lê o que lhe dão e o faz de muito mal-humor.

Até que chega o dia em que é decretado o cancelamento do programa. A partir daí a batalha de Becky passa a ser uma pessoal onde convencer Pomeroy pode se tornar uma lição de vida memorável.

Um roteiro ultra batido e com situações e texto dos mais clichês.

Porém, e felizmente, Roger Mitchell estava sob comando dessa operação. Em primeiro lugar dando ao filme uma direção correta e enxuta, tornando a história ágil e envolvente. Em segundo, pela capacidade de selecionar as melhores cenas e os diálogos mais relevantes - soube aproveitar o talento de seus atores criando um clima muito tenso e com piadas formidáveis. Rachel McAdams, como de costume, compõe um personagem vivo e pulsante – uma produtora arguta e convincente. Harrison Ford não esboça um sorriso até a última cena do filme – algo aflitivo! Ambos McAdams e Ford compõem uma dupla divertida. Situações inusitadas e cômicas além de bastidores devassados na íntegra – um onde torcer por Becky é algo mais que empolgante.

Lidar com grandes egos abre espaço para ótimos filmes...

Entretenimento bem feitinho e gostoso de assistir.

Fica dica.

"Thor", 2011, Kenneth Branagh

2011-05-24T14:25:00.000-07:00

Numa fiel adaptação para o cinema, Kenneth Branagh, impõe sua feérica visão de Thor, o deus do trovão. Uma onde 150.000.000,00 de dólares foram necessários para recriar e contar a história do personagem mais poderoso do Universo Marvel, Thor Odinson, príncipe Asgardiano, feroz guerreiro e símbolo de poder e invulnerabilidade.

Desde tenra infância, Thor teve dificuldade em aceitar tanto poder, tornando-se deveras arrogante, imprudente e temerário). Sua história começa quando está prestes a ser coroado Rei de Asgard. Porém, um ataque supresa de antigos inimigos dos Asgardianos, os Gigantes de Gelo, interrompe a cerimonia causando alarde e revolta.

Precipitado, e com bravura indómita, Thor decide contra-atacar e logo se vê no meio de uma enorme emboscada onde apenas o onipotente Odin pode salvá-lo. Tal ato compromete tratados de paz posteriormente estabelecidos gerando, assim, divergencia e desarmonia graúda entre rei e príncipe - e pai e filho.

Como castigo, Thor é banido de Asgard tendo que se exilar na Terra sem seus poderes.

Um lugar onde terá que aprender uma séria lição: que a humildade pode, as vezes, ser uma poderosa aliada...

Através de enquadramentos “modernos” Kenneth Branagh entrega um filme ok. O orçamento oneroso deixa algumas dúvidas - Thor apresenta efeitos visuais mais pobres que outras produções da Marvel e menos cenas de ação.

Chris Hemsworth (Thor), ator novato, tem a cara, o corpo, o jeito e a marra típica do personagem. Porém, as palavras que saem de sua boca ainda soam in-críveis. O que por outro lado traz comicidade ao filme – Ao dialogar com terráqueos utilizando a forma tão formal quanto a de Asgard, a plateia vem abaixo... Bem engraçado!

Nathalie Portman, Anthony Hopkins, Rene Russo e Stellar Skysgard contribuem radicalmente para a qualidade do filme que não tem um roteiro espetacular. Assim como Tom Hiddleston - o enigmático Loki.

A atriz Kat Dennings é responsável pela veia cômica do filme. Parabens!!

Nevertheless,

Efeitos especiais sem algum defeito, Gigantes de gelo assustadores e um Thor forte e imponente são os aspectos mais positivos do filme somados a um elenco afiadíssimo.

Faltou um pouco de ação - o que é absurdo num filme Marvel.

Mas ok.

Como eles mesmo anunciam –

Esperemos por OS VINGADORES.

Fica a dica.

"Sem Limites", 2011, Neil Burger

2011-05-24T14:08:00.000-07:00

O que aconteceria a um homem comum se ele pudesse se apoderar de uma droga que estimulasse o funcionamento do cérebro? Um efeito que ampliasse drasticamente as funções ligadas a memória, raciocínio, tomada de decisão e aprendizagem...?

Eddie Morra (Bradley Cooper) busca um lugar ao sol em Nova Iorque como escritor. Após inumeros revezes e sem conseguir implacar um único sucesso, Eddie, se depara com uma proposta indecente – seu ex-cunhado aparece tendo consigo uma espécie de medicamento, chamada NRV, que tem como efeito principal potencializar as faculdades mentais. Um acelerador neural que garante um ‘boost’ significativo ao cérebro humano tornando, assim, qualquer um num gênio em menos de 1 minuto.

Muito tentador...

Um detalhe: Seu cunhado é mais tarde encontrado morto, seu apartamento revirado e as pílulas bem escondidas dentro de um forno. Mesmo fedendo a mutreta da pesada Eddie Morra resolve se apropriar, needless to say, indevidamente das pílulas mágicas.

Ignorando tal fato umbrático, Eddie segue em frente e se transforma num ás – torna um livro medíocre que escrevera num best-seller e passa a usar a droga com a finalidade de acertar algumas pontas-soltas até então irresolúveis. O NRV não só permite que ele aprenda línguas fluentemente em 2 dias, como torna cálculos financeiros dos mais cabeludos um passeio no parque.

E é aí, justamente, que o roteiro engata. Eddie resolve “fazer” muito dinheiro e, para isso, passa a investir na bolsa e a realizar transações das mais diversas e as mais lucrativas. Tal feito chama atenção de certas pessoas o que lhe garante um emprego numa grande investidora. Tudo entra nos eixos – Eddie está rico, sua ex, agora de novo em seus braços, está de quatro por ele, e seu chefe está maravilhado com seu desempenho.

Porém, Eddie não se preocupou com 3 coisas muito importantes – Onde arranjar mais comprimidos, por que seu cunhado foi assassinado e quais os efeitos colaterais deste ‘elixir’.

Chega um momento em que Eddie passa a ficar abstinente da droga tanto sob aspecto físico como psicológico. Eddie tornou seu raciocínio dependente e percebeu que seus insights sensacionais são fruto exclusivo do NRV. Logo, sua audácia deixa-o na mão e medidas desesperadas passam a a tomar conta da vida de um homem que outrora vagava sem rumo pelas ruas de NYC.

De cara, Sem Limite, é uma metáfora exemplar sobre o abuso de drogas. Sejam elas lícitas ou ilícitas. Todo e qualquer homem tem sua fraqueza e as drogas em geral aparecem sempre como algo libertador e encorajador. Adições são extremamente pertinentes para alguns estilos de vida e se encaixam tão bem em alguns modelos que a dissociação se torna futuramente improvável e impossível.

No caso de Eddie Morra, toda sua vida estava dependendo daquela droga. Sem ela sua existência cessaria. E de certo modo, seja com cigarro, rivotril, viagra, prozac, cocaína, ecstasy ou álcool, todo homem tem em parte algum vínculo a alguma droga dessa.

Existem sempre dois caminhos, e o mais curto é sempre mais atraente. Não se pensa a longo-prazo diante do desespero e do sucesso iminente.

Sem limites filme de Neil Burger (O Ilusionista) se trata de um thriller psicólogico inusitado.

O NGT, assim como drogas conhecidas, reconfiguram o cérebro do usuário, causando danos irreversíveis e uma fissura pela mesma abissal. Ponto para o filme que dá uma lição das boas para aqueles mais incautos.

A direção também é algo que merece distinção: Neil Burger trabalha a posição de câmera, as lentes e a fotografia dando a este filme de ação um caráter especial – algo que faz com que espectador embarque na loucura de Eddie Morra.

No que concerne perseguições e tiros – são costumeiras e nada de novo aparece. Neil tira nota para passar e fornece boas cenas de ação – com ritmo, boa edição e tensão em doses corretas. Tudo muito correto e ordinário...

Assim como a participação de Robert de Niro – maneirinha mas comum.

Um filme que dialoga com exageros, ganancia e abusos.

Nada magnífico, mas que vale pela mensagem e pelo entretenimento.

Fica dica.

"Panico 4", 2011, Wes Craven

2011-05-24T13:28:00.000-07:00

Wes Craven resolveu se divertir.

Panico 4 se trata da mais enlouquecida sequencia de cenas inseridas num filme de suspense. Logo, de duas uma – ou eles sempre foram assim ou Wes ficou gagá...

Sidney (Neve Campbell) esta prestes a lançar um livro onde remonta sua experiência e aflições como eterna vítima de um serial killer. Resolve faze-lo justamente no dia do aniversario de Woodsboro, cidade que cediou os tais assassinatos. Eis que um dos moradores de Woodsboro resolve por em prática mais uma série de crimes em homenagem a moçoila – e passa a assassinar adolescentes do colégio municipal da mesma forma e ordem que foram exterminadas as vítimas do primeiro fime.

Se instaura, assim, um clima de pânico na pequena cidadela.

Você é delegado de Woodsboro e um assassino serial já matou 3 pessoas nos últimos 3 dias. Além disso Sidney Prescott está na sua cidade - em Woodsboro! O que a policia deveria fazer?

Retirar Sidney da cidade, deixar ela acompanhada de 10 policias “inteligentes", chamar a FBI ou coisa parecida

Deixar ela acompanhada de 2 policias imbecis

Péééééééééééé. Se você não respondeu 4, se deu mal...! Volte três espaços e repense sua carreira de roteirista.

Depois de 1 hora de filme e com um roteiro lastimável qualquer susto vira piada.

Se a intenção foi essa, tudo bem...

Mas há muita diferença entre Pânico e Todo mundo em pânico, não...?

A motivação do assassino, essa sim, faz sentido.

De resto, just yada, yada, yada...

"Jogos de Poder", 2011, Doug Liman

2011-05-24T13:17:00.000-07:00

Que os eventos envolvendo a Guerra do Iraque em 2003 acabaram eclodindo uma discussão seríssima sobre “a verdade”, a manipulação de informação e as teorias de conspiração, ninguém discute. Discute-se a consequência e os resultados que a participação num esquema deste pode causar na vida de uma pessoa. Quem são as pessoas responsáveis, quem são as que podem fazer uma diferença e quais as intocáveis?

Jogos de Poder, certamente, como filme, peca em vários aspectos – prolixo, extenso e com um olhar quase documental. O que acontece quando se reúne estes três aspectos somados a um tema não tão fresco? – Sono.

Por outro lado, graças as interpretações implosivas de Naomi Watts e Sean Penn, Jogos de Poder tem muitos momentos ricos e delicados que merecem atenção – uma porção de informações e detalhes relevantes sobre os fatos que anteciparam a manipulada Guerra do Iraque. Um drama revelador...

Uma montagem mais afiada seria, quem sabe, uma forma de ‘arredondar’ um roteiro tão complicado.

Um filme baseado em fatos reais muito bem realizado - direção correta - mas com timing equivocado.

Fica dica.

O Santuário, 2011, Allister Grierson & James Cameron

2011-05-24T13:05:00.000-07:00

Tecnologia 3-d utilizada inutilmente.

Um filme sofrível.

Frank (Richard Roxburgh) é um renomado mergulhador/alpinista/explorador que está prestes a fazer mais uma descoberta fascinante. Reuniu, numa remota ilha ao sul de Bórneo, os melhores profissionais da área bem como seu único filho, Josh (Rhys Wakefield) um exímio alpinista, e crítico ferrenho dos métodos radicais e “suicidas” de Frank.

Eis que uma inesperada e gigantesca tempestade aplaca a ilha derrubando toda infra-estrutura da missão e isolando a equipe de Frank dentro de uma caverna inóspita e prestes a ser alagada. Como de se esperar, o filme de James Cameron narra a história de 8 homens que buscam a sobrevivência e a saída daquele inferno e nada mais.

Seguindo os passos de filmes de tragédias naturais, O Santuário passa longe daqueles mais ruins, como Twister, ganhando uma posição nunca antes alcançada - a de ser simultaneamente cômico e tenebroso. Através de interpretações ridículas, overacting aflitivo, além de situações melo-dramáticas insuportáveis, a equipe de Frank vai aos poucos sendo dizimada das formas mais grotescas restando apenas, como últimos sobreviventes e claramente numa tentativa de psicologizar o filme, pai e filho. Coisa que só degrada a história - os dois travam discussões intermináveis sobre relacionamento, questões de paternidade e etc DIANTE DE UMA CAVERNA PRESTES A DESMORONAR.

Algo, na melhor das hipóteses, inimaginável.

Depois de 127 horas, de Danny Boyle, O Santuário passa a ser um filme que parece ter sido realizado por alguém bêbado – um filme impertinente, patético, desnecessário e truthfully forgettable...

"Inverno da luz vermelha", 2011, de Monique Gardenberg

2011-05-24T12:38:00.000-07:00

É sempre revigorante assistir a atores novos, maduros e presentes.

Dirigido por Monique Gardenberg a peça Inverno da Luz Vermelha apresenta David e Matheus - 2 rapazes com mesmo interesse mas com uma antagônica forma de se comportar. David (André Frateschi), bonitão e provocador decide que quer ajudar seu amigo a perder sua virgindade. Coloca, portanto, na cama de Matheus (Rafael Primot), uma prostituta encantadora, Christine ( Marjorie Estiano). Matheus, menos atraente e tímido, e também lento e ingênuo não faz o tipo que enxerga uma moça dessas como um mero pedaço de carne. Ao contrário, a vê como uma doce e frágil menina que necessita de amor. Obviamente, Christine mostra-se apaixonada por David que não quer nada com a moça. Entre trancos, barrancos, algum bate papo, desabafos e boas risadas, a moça e Matheus acabam por consumir uma tórrida noite de amor.

Para ele algo inesquecível e para ela nada mais que trivial.

Um ano depois, mesmo sabendo que não teria chances, Christine resolve ir atrás de David. Ao tocar a campainha, quem abre a porta? O envergonhado Matheus.

Dali em diante uma longa conversa se instaura entre surpresas e fortes emoções.

Adam Rapp, o autor, salienta as diferenças. Mostra como a criação de cada um transparece na conduta com o outro, com o afeto e, fatalmente, com o sexo. Geralmente é assim: o outro sempre gostaria de ter aquilo que não possui. Não foi Drummond que levantou uma vez essa ciranda interminável entre os apaixonados? Tal desencontro amoroso...?

Christine faz aquilo que justamente não gostaria de fazer. Mostra ao mundo uma faceta malandra recheada de glamour e fantasias quando, na verdade, se trata de uma moça simples com desejos ordinários. Marjorie Estiano solta a imaginação e explora a profissional do sexo que habita suas fantasias...

David faz do sexo o espelho de sua virilidade, algo que tem valor apenas narcísico. Mostra, portanto, grande dificuldade em estabelecer relacionamentos maiores que os de uma noite só – Um verdadeiro covarde.

Matheus faz parte daquele grupo conhecido como os Nerds. É engraçado ver como o nerd só existe a partir do olhar de caras como David. Neste caso, Rafael Primot, como de praxe, arrebenta na composição de mais um conflitado “adolescente”. Um típico rapaz que sonha em ser super-homem.

Inverno da Luz Vermelha é uma peça sucinta, enxuta e nada presunçosa. Recria no palco a vida destes três personagens contemporâneos, exibindo uma época e uma tristeza retumbante.

Com um começo devagar, aos poucos a situação se instala, e assim, é possível enxergar os dramas de cada um e a dificuldade de exteriorizar esses medos e angustias.

Com uma cenografia 'Dogvilliana', os três atores se espalham pelo palco discutindo temas que interessam a todos – SEXO – de forma bem humorada e sagaz.

Uma peça muito prazerosa.

Fica a dica.

"João amava Teresa que amava Raimundo  que amava Maria que amava Joaquim que amava Lili que não amava ninguém.  João foi para os Estados Unidos, Teresa para o convento,  Raimundo morreu de desastre, Maria ficou para tia,  Joaquim suicidou-se e Lili casou com J. Pinto Fernandes  que não tinha entrado na história."

Carlos Drummond de Andrade

"Passe Livre", 2011, Irmãos Farrelly

2011-03-15T10:03:00.000-07:00

Rick (Owen Wilson) e Fred (Jason Sudeikis) casaram muito cedo e assumiram uma vida pacata com suas respectivas mulheres, Maggie (Jenna Fischer) e Grace (Christina Applegate), com imenso prazer e devoção. Contudo, passar vinte anos “comendo o mesmo prato” (uma das inúmeras expressões grosseiras do filme) é algo mais que desafiador – é uma prova de amor. Passe Livre narra a história desses dois quarentões mal resolvidos que acreditam ter muita energia para dar, como se ainda tivessem vinte e poucos anos. Suas esposas Maggie e Grace, já com o saco na lua, decidem por em prática um plano – um ‘passe livre’ de uma semana: durante uma semana ambos os rapazes podem fazer o que quiserem sem pôr em risco seus casamentos.

Melhores amigos são como almas gêmeas – o que um sente o outro sente também; o empurrão que um dá vale mais que duzentos empurrões de um simples mortal. Livres, Rick e Fred partem pelos bares afora para tentar “pegar” alguma gatinha manhosa, pondo para fora assim vinte anos de tensão sexual, mas encontram, ao final de contas, que casaram por outros motivos...

Bobby e Peter Farrelly são mundialmente conhecidos por pelo menos três obras que causaram frisson considerável na segunda metade da década de 90. Debi e Lóide, Quem vai ficar com Mary? e Eu, Eu mesmo e Irene. São eles os responsáveis por criarem filmes realmente engraçados sem precisar baixar o nível – ou quase isso...

Na última década, não conseguiram emplacar nenhum grande hit e vêm agora com Passe Livre comprovar que, muitas vezes, genialidade é como a ansiedade – algo que dá e passa.

Passe Livre é notavelmente um filme bobo. Uma temática quase adolescente, sem grande deliberação, algo que parece dialogar com um público D americanóide. É possível contar nos dedos as piadas engraçadas – de fato, há meia dúzia de piadas impagáveis, mas que não valem o ingresso. São, na maioria, cenas toscas, piadas batidas e um humor meio confuso, que esbarra num humornegro impertinente, para não dizer indelicado e composto de cenas desnecessárias. A escatologia há de ser bem equilibrada e sustentada por um roteiro inteligente, caso contrário, apenas ela sobressai, causando certa estranheza e vergonha alheia.

Owen Wilson e Christina Applegate “salvam” o filme. Bons atores que cumprem suas funções adequadamente. Mas nada que valha a visita à sala de cinema.

Um filme mais que esquecível. A fama tem dessas coisas: nem sempre o artista cria algo no mesmo nível e quem paga é o fã.

Os Farrelly perderam a mão.

Sem dica desta vez.

PS: vale a pena dar uma olhada na entrevista: http://www.imdb.com/video/imdb/vi876780057/

And the Oscar 2011 goes to....

2011-02-27T14:32:00.000-08:00

Melhor Roteiro adaptado

A Rede Social 

->->->127 Horas 

Toy Story 3 

Bravura Indômita 

Inverno da Alma

Melhor Roteiro original

Minhas Mães e meu Pai (esse é foda!!)

->->-> A Origem 

O Discurso do Rei 

O Vencedor 

Another Year

Melhor direção de arte

Alice no País das Maravilhas 

Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte I 

A Origem 

O Discurso do Rei 

->->-> Bravura Indômita

Melhor fotografia

->->-> Cisne Negro 

A Origem 

O Discurso do Rei  (essa é foda!!!!)

A Rede Social 

Bravura Indômita

Melhor figurino

Alice no País das Maravilhas 

I am Love 

O Discurso do Rei 

The Tempest 

->->-> Bravura Indômita

Melhor montagem

Cisne Negro  (essa é foda!!!)

O Vencedor 

O Discurso do Rei 

A Rede Social 

->->-> 127 Horas

Melhor Mixagem de som

->->-> A Origem 

Bravura Indômita 

O Discurso do Rei 

A Rede Social 

Salt

Melhor diretor

-à>>>>>Darren Aronovsky – Cisne Negro 

David Fincher – A Rede Social 

Tom Hooper – O Discurso do Rei  (DIFICIL…)

David O. Russell – O Vencedor 

Joel e Ethan Coen – Bravura Indômita

Melhor ator

Jesse Eisenberg – A Rede Social 

à>>>>>>>Colin Firth – O Discurso do Rei 

James Franco – 127 Horas 

Jeff Bridges – Bravura Indômita 

Javier Bardem – Biutiful (ESSE É FODA!!)

Melhor atriz (Neste ano, o prêmio mais dificil de ser dado. Todas são excelentes).

Nicole Kidman – Reencontrando a Felicidade 

Jennifer Lawrence – Inverno da Alma 

--à>>>>>>Natalie Portman – Cisne Negro 

Michelle Williams – Blue Valentine 

Annette Bening – Minhas Mães e meu Pai

Melhor ator coadjuvante

-à>>>>> Christian Bale – O Vencedor 

Jeremy Renner – Atração Perigosa 

Geoffrey Rush – O Discurso do Rei 

John Hawkes – Inverno da Alma 

Mark Ruffalo – Minhas Mães e meu Pai

Melhor atriz coadjuvante

Amy Adams – O Vencedor 

Helena Bonham Carter – O Discurso do Rei 

Jacki Weaver – Animal Kingdom (não assisti)

--à>>>>>Melissa Leo – O Vencedor 

Hailee Steinfeld – Bravura Indômita

Melhor longa animado

Como Treinar o Seu Dragão 

O Mágico 

à>>>>>Toy Story 3

Melhor filme

-----à>>>>>Cisne Negro 

O Vencedor 

A Origem 

O Discurso do Rei 

A Rede Social 

--à>>>>>>>>Minhas Mães e meu Pai 

Toy Story 3 

127 Horas Bravura

Indômita 

Inverno da Alma

"Blue Valentine", 2011, Derek Cianfrance

2011-02-27T14:01:00.000-08:00

Se tem uma coisa que "incomoda" jovens cineastas é a velada obrigatoriedade de criar filmes ‘estilosos’, ‘modernos’, ‘transgressores’ e quase nada inteligíveis.

Existe sim nos autos da história da filmografia mundial, evidências de que a forma de fazer cinema mudou. Hoje está em voga filmes sem desfecho, atemporalidade, personagens com nuances e nada maniqueístas and so on...

Porém, esta pequena introdução foi necessária para poder “entender” e “explicar” o filme de Derek Confiance.

Blue Valentine conta a história de Dean (Ryan Gosling), Cindy (Michelle Williams) e sua filhinha pequena Frankie (Faith Wladyka) - uma familiazinha meiguinha, certinha e fofinha, aparentemente feliz e realizada. Porém, aos poucos o espectador vai percebendo que Dean, ao contrário de Cindy, considera-se satisfeito e contente – brinca com a filha a todo instante, procura fazer amor com sua esposa e tenta fazer da vida em família algo divertido e harmonioso. Já Cindy exibe um comportamento avesso e arisco – não consegue pensar em outra coisa senão os afazeres diários e as responsabilidades. Dean nunca foi um rapaz brilhante – nem o colegial ele terminou - mas era habilidoso e esperto, levando Cindy a crer que ele chegaria a algum lugar mais confortável e próspero. Coisa que não o incomodou de maneira alguma – Dean sonhou em ter um vida medíocre, na qual haveria uma esposa maravilhosa e uma filha lindinha. Logo, ele tinha o que queria.

Blue Valentine vai, então, apresentando o clima desgostoso em que Cindy se encontra.

Até aí, nada de novo, tudo está muito claro e todos esperam a resolução da história.

Cianfrance, coloca em pauta, por fim, a história de Dean e Cindy. O filme é atravessado por alguns flash-backs que contam como os dois se conheceram e se apaixonaram; e por que a

cabaram juntos. Para surpresa do espectador, é possível afirmar que foi por piedade e compaixão que os dois se uniram – aliás, que Dean acolheu Cindy.

Cindy namorava outro rapaz antes de conhecer Dean. Um rapaz que representava muito bem seu amor pela mesma. De tão apaixonado, fez questão de deixá-la grávida, coisa que mudou drasticamente sua vida. Abalada e assustada, Cindy resolve contar a Dean sobre sua situação, deixando o rapaz eternamente comovido. E, como de se esperar, entre dois jovens tolos e apaixonados, aquele fogo e aquela paixão literalmente mexeram com seus neurotransmissores, confundindo-os, levando-os a achar que aquele sentimento de compaixão, altruísmo e bondade pudesse ser “amor”, proporcionando, então, um altar na vida dos pombinhos.

Ou seja: Dean realmente se apaixonou por Cindy, por sua situação e por seu bebê e pela vida que ele vislumbrou poder ter e que, enfim, desejava ter, mesmo sendo mais cedo que imaginava.

Cindy, por outro lado, como qualquer mãe, A-DO-ROU saber quer teria um macho para mimá-la, cuidar-lhe e protegê-la num momento tão difícil e o aceitou de braços abertos, mesmo com as evidências sobre as ambições do mesmo palpitarem e se destacarem diante dela.

Enfim, e o que aconteceu depois?

Finalmente lhe caiu a ficha de que Dean não era aquele homem que imaginara querer ter para si, e assim ela simplesmente “fell out of love”...

Blue Valentine exibe, nua e cruamente, o desgaste que ocorre entre Dean e Cindy. Só isso...

E gera, portanto, uma dúvida cruel....

Por que fazer um filme sobre desgaste, dado que não há nada pertinente no comportamento de Dean que cause esta situação? Cindy, aliás, ao contrário de Dean, não teve a menor compaixão pelo mesmo, simplesmente decidiu que era o fim.

A entrevista com Derek Confiance elimina qualquer duvida: ele conta que levou 12 anos para escrever o roteiro, que foram mais de 67 tratamentos e que sua principal meta era escrever um filme que realmente fosse palatável – em que o espectador pudesse “se encontrar”. Derek se queixou de que muitas vezes filmes sobre relacionamentos não contam "como as coisas são", romanceiam demais e perdem o laço com a realidade. Diz que o grande lance de Blue Valentine é que os personagens vivem a vida que o espectador vive e que foge ao máximo às fantasias.

Deixo aqui o espectador tirar suas próprias conclusões.

Este blog teria vergonha de dizer que levou 12 anos para escrever um roteiro depois de exibir Blue Valentine.

A dica ? Que dica?

PS: No que concerne às atuações – Excelentes. Tanto Michelle Williams como Ryan Gosling deram um duro danado dando performances muito ricas e com camadas interessantes aos seus personagens. Salvaram o filme. Ryan Gosling é um grande talento.

Derek Cianfrance dirigiu Blue Valentine com talento. Sabe, ao menos, tecnicamente, exatamente o que quer e como compor belas e fortes cenas.

Só faltou-lhe um roteiro mais interessante...

De tão preocupado em fazer algo tão mágico, acabou por morrer na praia...

Michelle Williams concorre como Melhor Atriz no Oscar 2011. Indicação merecida.

"Encontrando a felicidade", 2011, John Cameron Mitchell

2011-02-27T13:14:00.000-08:00

Encontrando a felicidade (Rabbit Hole), o novo filme de John Cameron Mitchell, adaptado da peça de David Lindsay Abaire, é uma obra que fala sobre o que se faz diante de perdas, ausências e a possibilidade de uma vida diferente.

Becca (Nicole Kidman) e Howie (Aaron Eckheart) perderam seu único filho num acidente de carro. O casal teve então sua pacata e feliz vida interrompida e atravessada por uma fatalidade que tornou a relação muito complicada. Depois de meses frequentando um grupo de apoio, Becca decide que aquele lugar não está lhe fazendo tão bem; passa, portanto, a tentar se virar sozinha. Howie, por outro lado, aparenta talvez uma aceitação maior e passa a sugerir algumas mudanças à Becca, que as rejeita sem pestanejar, causando, por assim dizer, abalos maiores que os dois poderiam suportar.

Nitidamente, tanto Becca como Howie sentem dolorosamente a ausência desse filho e sentem-se completamente desnorteados e desesperançosos em relação ao casamento – parece que tudo perdeu sentido depois que o filho faleceu.

Para completar, Becca “sente” a necessidade de chegar perto do adolescente (Miles Teller) que atropelou seu filho. Uma sensação que mescla algum masoquismo com curiosidade; sofrimento com julgamento e assim por diante. Naturalmente, Becca deseja saber se algo mudou na vida do rapaz, se o mesmo está abalado, assustado, arrependido, desestruturado e perdido, assim como ela e seu marido. Ela deseja ver consternação no rosto do rapaz. É algo que ela precisa para conseguir compreender o acontecido, como se “justificasse” a morte de seu filho; algo que servirá como uma lição para a vida do mesmo.

Os dois atores trocam muito bem!

Para sua surpresa, o rapaz está moralmente abatido e indolente. Aos poucos, ambos se aproximam, numa espécie de simbiose em que dividem as mágoas, a desolação e uma aflição latente que um tem pelo outro - uma catarse inacreditável. Encontrando a felicidade é de fato um filme comovente. Retrata de forma integral a vagarosa reconciliação de um casal à beira da separação: a luta por uma nova estrada, a necessidade de ter a família por perto e o valor na empatia pelo próximo.

Duas pessoas que dependem uma da outra e de repente se veem sozinhas.

Nicole Kidman literalmente arrasa e atribui a sua personagem nuances das mais difíceis e equilibradas. Ela concorre novamente como Melhor Atriz na premiação do Oscar 2011. Uma inteligente e delicada interpretação.

Aaron Eckheart tenta acompanhar, mas, como se diz, para na página 3. Cumpre bem mas não alcança Nicole Kidman, infelizmente.

John Cameron Mitchell é um diretor primoroso. Acerta em cada plano e torna Encontrando a felicidade um filme, um ensaio fascinante sobre as lições que a vida pode pregar em algumas pessoas.

Chega um momento na vida de Becca em que encontrar conforto é uma questão de sobrevivência. Arrancar bravura em momentos escuros e angustiosos não é moleza.

Escolher um buraco para se esconder ou utilizá-lo para viajar para outra dimensão? Ou é melhor deixá-lo ali mesmo?

Assim como no clássico de Lewis Carroll, Alice no país das Maravilhas, a personagem dialoga com a realidade e com o que é possível fazer dela. Sobre como, algumas vezes, os problemas e as soluções residem numa questão de ótica - e sobre os que sobrevivem: pois se permitem um novo olhar sobre a vida.

Só assistindo para entender.

Belíssimo filme.

Nicole Kidman concorre novamente como Melhor Atriz na premiação do Oscar 2011. Inteligente e delicada interpretação.

Fica dica!!!

"127 Horas", 2011, Danny Boyle

2011-02-21T14:08:00.002-08:00

Trainspotting, A praia, Extermínio e Quem quer ser um Milionário? fazem parte de uma breve e ressonante lista de filmes que um cidadão chamado Danny Boyle coleciona. Dispensam, desse modo, qualquer apresentação. É dito que cada diretor imprime uma marca ou define sempre um assunto central. Danny Boyle foge à regra.

Cada um desses filmes teve argumento, a linguagem, a montagem quanto a direção como algo muito particular e, decerto, marcou uma geração. Quem não se lembra do braço de Ewan McGregor saindo de dentro do vaso sanitário (referência à lenda de Rei Arthur); daquela sensação paradisíaca e ao mesmo tempo angustiante de Richard e seus amigos; das imagens pujantes de Quem quer ser um Milionário?

Dessa forma, e provavelmente com uma mão amarrada nas costas, Danny Boyle dirigiu 127 horas, um thriller de suspense aflitivo, algo quase desesperador, mas que, em sua simplicidade e sutilezas, arrisca passar uma mensagem muito sincera e bacana.

Ou seja, mais uma vez muda-se o cenário drasticamente, mas a mensagem permanece imponente.
Uma vez, durante uma palestra num festival, discutia-se o aumento do valor do ingresso dos cinemas. Ouvi de um cineasta que o preço do ingresso do cinema é o mesmo do Big Mac. A diferença é que depois que se come o sanduíche, bem, ele é processado e nada mais – um prazer a curto prazo. Já o filme é processado até o primeiro sintoma de Alzheimer... (Piadinha infame e pesada, mas é a pura verdade.)
Ou seja, mesmo sendo assustadoramente simples, é um filme que emite uma mensagem. Cinema é isto – o poder de deixar uma marca infinita no indivíduo...

Boyle, portanto, com a atuação franca e empática de James Franco, aborda um tema muito interessante – a força da ação de cada homem. E fala sobre como cada dia, cada escolha que um homem faz repercute no seu futuro. Como disse um certo filósofo: “Somos, e quando somos, nosso próprio devir, a responsabilidade nas próprias mãos.”

Uma mensagem simplesmente simples – mas que causa um impacto considerável.

O filme tem ainda direção e montagem ágeis e inteligentes – quando parece que se tornará maçante, o roteiro de Boyle e Simon Beaufoy apresenta algo diferente.

127 Horas é um roteiro adaptado que conta a história real do famoso alpinista Aron Ralston, que ficou preso entre rochas dentro de um cânion isolado nos EUA. Sem ninguém por perto senão sua própria consciência e uma minifilmadora, Aron passa por momentos que jamais imaginara viver. Aos poucos Aron começa a entender que aquilo não foi um acidente ou coincidência, mas sim uma consequência de seus atos.

Um filme que fala sobre coragem.

Singelo e perspicaz.

Fica a dica

"A Rede Social", 2011, David Fincher

2011-02-17T14:15:00.000-08:00

David Fincher é conhecido por realizar filmes de suspense.

Dentre eles Se7en - Os Sete Crimes Capitais, Clube da Luta, Zodiac e outros.

Em A Rede Social, esse estilo abriu caminho para algo mais ordinário e sem grandes surpresas. Afinal, a vida de Mark Zuckerberg e seu facebook não é algo fenomenal a ser contado, a não ser, é claro, pelo sucesso que fez, o qual - cá entre nós - é relativo: Just the right person, at the right time, with the right idea...

Portanto, não causa nenhum espanto questionar – por que será que esse filme ganhou o Globo de Ouro 2011...?
Claramente, não foi por sua qualidade como filme. Fiquemos com questões de jabá y otras cositas más...

Este blog entende que são quatro os elementos que fazem um filme ser considerado 'BOM'.

Em ordem de importância:

4. Atuações – A capacidade de compreensão dos atores sobre a história, além da habilidade de convencer plateias de que aquilo não é uma encenação (o que os mais alternativos chamam de “a magia” do cinema...).

3. Proposta - A que se propôs o filme? Cumpriu com aquilo que dizia a sinopse? (Não querendo diminuir David Lynch), mas é minimamente inteligível...?

2. Forma – Fotografia, direção e montagem são criativas, autorais e, enfim, pensadas? O idealizador ousou explorar o instrumento cinematográfico como um todo?

1.Mensagem – O filme passa um recado que permite alguma reflexão ?
No que diz respeito à história de Zuckerberg, os itens 3 e 4 podem ser contabilizados. E contabilizados com "C" maiúsculo - qualquer pessoa fica por dentro da turbulenta biografia do rapaz e assiste àquela “turminha” de jovens atores representar de forma mais que satisfatória.

Já os itens 1 e 2 foram ignorados.

Somada a isso, a direção de Fincher, mesmo sendo medíocre, tem um grande mérito: um filme que poderia ser sacal tem uma agilidade incrível e passa num piscar de olhos – mérito também da montagem, é claro. Ou seja, um agradável filme, ótimo para passar o tempo – ao estilo “Sessão da Tarde”.

E nada mais.
Basta apenas ser comentado a atuação de Jesse Eisenberg, ator responsável por encanar Zuckerberg – o rapaz exibiu muita segurança e equilíbrio. Criou um Zuckerberg nerd, mala, sagaz, sonso e muito mocker... Vale a pena conferir. (Não merece Oscar por nada na vida, mas tem seu valor.)
Por fim, resta dizer que a nomeação de A Rede Social causa estranheza.

É um filme como outro qualquer, que não inova como roteiro nem como linguagem.

Cisne Negro dá um banho, diga-se de passagem.

A dica fica, para aqueles que, tranquilamente, esperam um mínimo, assim como essa crítica miudinha...

"MInhas mães e meu pai", 2011, Lisa Chodolenko

2011-02-14T19:15:00.000-08:00

Nic (Annette Bening) e Jules (Julianne Moore) formam um casal mais que feliz. Casadas há anos, optaram por fazer inseminação artificial para terem dois filhos; o mesmo esperma para os óvulos de ambas, e, para tal, lançaram mão de um doador anônimo. O fruto disso foram seus dois simpáticos filhos – Laser (Josh Hutcherson) e Joni (Mia Wasowski), típicos adolescentes inquietos e em busca de “coisas”, e uma família fantasticamente meiga e funcional.

Laser – garoto heterossexual, bonitão e esportista – tem achado, porém, que nos últimos tempos falta-lhe em sua vida uma figura masculina. Quando lhe cai a ficha que Joni, sua fiel companheira, está se mudando para a faculdade, Laser descompensa de vez e passa a ter uma crise de identidade – encana que será um martírio conviver com as mães lésbicas e que precisa dessa figura masculina para não enlouquecer. Laser convence então Joni a procurar quem foi o doador do esperma, quem é o “pai” deles e de onde vieram, de fato.

Minhas Mães e Meu Pai (The Kids Are All Right) é um filme que passeia, portanto, despretensiosamente por temas para lá de polêmicos – talvez por isso seu sucesso retumbante. Quando se fala em paternidade entre homossexuais, filósofos, sociólogos e psicólogos dividem-se seriamente em dois grupos bastante distintos que dão opiniões das mais pertinentes às mais levianas. Há quem apoie e, brilhantemente, defina isso como o curso natural da evolução do homem – só saberá a consequência disso quem viver para ver; não há o que fazer senão sentar e observar. E há quem diga (os mais ortodoxos) que se trata de um modelo equivocado e “perigoso” – a confusão causada pela duplicidade de gênero das figuras de identificação poderá levar a criança a novas e diferentes formas de pensar e agir sobre sua sexualidade, gerando, por fim, novos desvios e um exercício “bizarro” da sexualidade, sem contar o resultado desastroso para o fim da mesma, que seria “claramente” a reprodução.

Lisa Cholodenko, também roteirista das prestigiadas séries de TV The L Word e Six Feet Under, certamente notou que essa discussão é inútil e só faz parte do discurso de pessoas mal resolvidas, ignorantes e que portam antolhos como óculos escuros.

De fato, Laser, como qualquer rapaz de sua idade, poderia “usar” uma figura masculina para lhe tirar umas dúvidas ou até para poder conversar e desabafar sobre qualquer assunto. Chodolenko aproveita essa premissa para trazer à tona Paul (Mark Ruffalo), o “pai” dos garotos. Paul é um típico quarentão boêmio que por opção não se casou e passou a vida tendo namoricos e affairs. Quando jovem precisava de dinheiro e por isso fez a doação – algo que ele sutilmente declara como uma coisa impensada, de gente jovem e desprendida... Ao longo do filme, Laser vai se aproximando de Paul. Em alguns momentos, identifica-se com as formas de pensar desse cara; em outros, passa a ver que nem sempre as coisas são como se imagina: diante dele, a postura viril, masculina, livre, juvenil, meio irresponsável e descomprometida de Paul vai aos poucos batendo de frente justamente com as ideias de família, dever e metas que suas mães ensinaram a ele, e que nitidamente são responsáveis pelo ambiente tão acolhedor e próspero que ele mesmo admite ter em casa. Laser percebe, aos poucos, que aquela falta que imaginara ter era apenas uma pobre especulação que fazia sobre a capacidade de Nic e Jules darem a ele as respostas que buscava.

Lisa Chodolenko também assinou a direção. Fez um trabalho leve e divertido, no qual discute o papel de cada uma dessas mães: há o cuidador e o provedor, aquele que impõe limites e aquele que bota para dormir, e assim por diante. Não fez um filme moralista, muito pelo contrário – sem aprofundar demais, joga para o espectador assuntos como o desgaste de um casal, a possibilidade da orientação de cada um sofrer pequenas mudanças no percurso e, principalmente, a dificuldade de reger e erguer uma família, seja ela fruto de um casal hetero ou homossexual.

“Biológica ou não, oriunda do casamento ou não, matrilinear ou patrilinear, monogâmica ou poligâmica, monoparental ou poliparental, não importa. Nem importa o lugar que o indivíduo ocupe no seu âmago, se o de pai, se o de mãe, se o de filho; o que importa é pertencer ao seu âmago, é estar naquele idealizado lugar onde é possível integrar sentimentos, esperanças, valores, e se sentir, por isso, a caminho da realização de seu projeto de felicidade pessoal.” Giselda Hironaka, Titular do Departamento de Direito Civil da Faculdade de Direito do Largo São Francisco (USP).

Annette Bening e Julianne Moore estão entregues aos papéis. Resolveram criar uma simbiose muito rica e vívida entre as duas personagens. Nos momentos mais leves, as duas parecem se divertir em cena; e, naqueles mais duros, dão um banho e comovem todos. Não é à toa a indicação de Annette Bening ao Oscar 2011. Mark Ruffalo também diz a que veio – vive um verdadeiro quarentão e pontua o filme com bons momentos cômicos.

Vê-se ali um nítido entendimento de que este filme não é um drama, e sim uma comédia para a família. Afinal, algo tão comum e que irá fazer parte do dia a dia de milhares de bairros e cidades no mundo, num futuro não tão distante, não poderia ser ilustrado de forma mais natural que essa.

Minhas Mães e Meu Pai certamente promoverá algum abalo sísmico na corrida para melhor filme no Oscar 2011.

Fica dica!!! Indubitavelmente.

Principalmente para aqueles com muitas dúvidas em Current Affairs e General Knowledge.

"O Discurso do Rei", 2011, Tom Hooper

2011-02-14T15:25:00.000-08:00

A história de um homem gago que se tornou rei. Parece enredo de escola de samba, ou roteiro de desenho animado da Disney...

Mas, felizmente, não é.

É, sim, mais uma história sobre a família real inglesa. Uma imagem de austeridade que, de geração em geração e através dos séculos, sempre se manteve imponente e aparentemente imbatível - um símbolo de status que gerou inveja e curiosidade pelo mundo afora.

O que desperta tanto o faro de jornalistas e historiadores curiosos e sádicos? Nada além daquilo chamado "um lugar-comum". Assim como qualquer família, seja ela burguesa ou proletária, os Windsor, Tudors e Stuarts têm seus dilemas, problemas e infortúnios, e enfrentam crises, das mais sérias às mais estapafúrdias.

O barato está em pontuar, justamente, crises domésticas, situações embaraçosas ou irônicas a que se submete a família mais célebre do planeta. De certo modo, aumentando sua fama, mas, de outro, diminuindo seu estado de graça e aspecto suntuoso e invejável... Não é à toa que revista de fofoca vende.

O Discurso do Rei dialoga, justamente, com uma dessas ironias que a vida apresenta.

O final da década de 30 foi um ano complicado para a Europa. Hitler, então pirado de vez, já estava, indevidamente, com tropas nas fronteiras de seus vizinhos e, assim, a 2^a Guerra era iminente. Com Rei George IV (Michael Gambon) falecido, restou ao Rei Eduardo VIII (Guy Pearce), legítimo herdeiro do trono, assumir a coroa. Porém, a nação não imaginava que ele, um frouxo e desinteressado, iria preterir a coroa em nome de um casamento com uma mulher qualquer.

E a ironia toma conta da História - sobrou para Albert (Colin Firth), segundo filho de George, a árdua missão de assumir a coroa britânica. Algo que, segundo Churchill, seria seu maior teste na vida, diante da crise mundial que estava por vir.

O detalhe – Albert, ou Albie, como era chamado, tinha um sério problema de dicção e gagueira...

Como bem pontuado no filme, àquela altura da História, reis e rainhas britânicas já não tinham uma função, digamos, executiva sobre o país, e assim existiam mais como uma espécie de força motriz, que era capaz de dar valor às questões de união do povo – uma maneira de dar esperança, garra e sentimento de perseverança. Algo que, com Hitler às portas de entrada, era imprescindível...

O filme narra, portanto, os bastidores dessa história delicada e cômica. De um lado, a saia-justa em que se encontra Albert, diante de um povo que clama por sua voz de comando num momento tão sinistro; do outro, a empreitada da família que busca desesperadamente algum fonoaudiólogo que dê conta e esteja à altura de tal responsabilidade. Entra, então, Lionel Logue, fracassado ator de teatro, mas que (sabe lá Deus por que) entende muito de preparação vocal, expressão, empostação, etc.

De primeira, Albert acha Logue um charlatão e maluco e tem dificuldade em aceitar os exercícios propostos. Aos poucos, um trabalho que pareceria apenas técnico acaba enveredando para outros rumos e tomando dimensões psicológicas maiores, com as quais ambos não estavam preparados para lidar. Eis que chega o momento em que Logue leva Albert a crer que sua gagueira era fruto, precisamente, de tanta arrogância, pompa e dureza com que o menino lidou na infância com sua família e que o desdobramento desses fatos o levou a uma posição inerte diante da vida.

O Discurso do Rei é, portanto, antes de qualquer coisa, um daqueles filmes que revelam uma "curiosidade". Faz um recorte preciso daquele momento histórico, desvelando através de dois excepcionais intérpretes, como foram os dias que antecederam a Segunda Guerra Mundial; como estava o ânimo daquele homem tímido que não queria ser rei; e, principalmente, como o homem que treinou o rei lidou com aquela tremenda responsabilidade, simbolizando toda uma nação.

Geoffrey Rush é fascinante. Além de produtor e idealizador do filme, entregou de bandeja, como ator, ao colega Colin Firth, um papel desafiador, que Colin respondeu à altura, dando uma interpretação primorosa - só vendo para crer!

Favoritíssimo ao Oscar 2011.

O diretor Tom Hooper também não tem do que reclamar - teve carta branca para ousar e narrou a história de maneira muito sutil e saborosa. Deu um olhar, digamos, bastante expressionista – fazendo do palácio de Buckingham algo realmente opressor e que, de fato, impõe algum temor ou respeito. Um olhar muito interessante à obra: uma direção suave, que não só faz o espectador deslizar sobre a História como o deixa ávido pelo fechamento da estória. Há também uma fotografia impecável além de particular - atores encostados em paredes multicoloridas e texturizadas, mimetizando grandes pinturas medievais.

Um filme claramente pensado sob todos os aspectos.

Forte concorrente de Cisne Negro.

Parabéns a Firth e Rush!

Fica dica.

PS: um exemplo claro da força de um MacGuffin

"O vencedor", 2011, David O. Russell

2011-02-07T19:50:00.000-08:00

Dicky (Christian Bale) é um campeão de boxe aposentado, cujo grande trunfo na vida foi a vitória - numa luta inesquecivel - sobre Sugar-Ray Leonard, a qual lhe trouxe fama e dinheiro. Porém, sem jamais conseguir outra vitória tão importante, sentiu o passar dos anos ser cada vez mais duro com ele. Conheceu o crack, e, assim, um vício desenfreado levou-o a uma vida inútil, a viver de memórias.

Seu meio-irmão também é boxeador. Mais novo, e aparentemente menos talentoso, Micky (Mark Whalberg) vem tentando uma carreira, sempre com combates de menor expressão, sob tutela de sua mãe, Alice (Melissa Leo), fajuta

empresária de boxe, e com Dicky como seu "alienado" treinador.

Na realidade, Alice não aceita que Dicky tenha se tornado um junky. A família já havia ganhado muito dinheiro com a carreira do rapaz, e agora, preocupados com a situação e inconformados, jogam todos uma responsabilidade nas mãos de Micky.

Chega um momento em que Micky passa a despontar como um jeitoso boxer. Todavia, tanto sua mãe como Dicky não conseguem (ou não querem) enxergar tal talento – fazem péssimas escolhas, colocam-no em lutas equivocadas e desmerecem-no a torto direito. Somado a isso, o desmiolado Dicky passa a se meter em furadas com a polícia, chegando assim a desgastar sua relação com Micky.

O Vencedor, escrito por Scott Silver (8 Mile, The Mod Squad), narra, portanto, a história de Micky - sua batalha contra a apatia de sua família, o desequilíbrio de seu irmão, as obsessões de sua mãe; e, fundamentalmente, sua própria ascensão como homem e esportista.

Eis que aos poucos Micky vai se cercando de outras pessoas, assim como uma nova namorada, Charlene (Amy Adams), um novo treinador e um empresário: pessoas que enxergam nele um brilhante boxer. Como seria de se esperar, o filme mostra justamente o momento em que Micky deverá escolher entre sua nova vida ou sua família disfuncional. Chega o momento em que precisará dizer a Dicky que este não será mais seu treinador.

O Vencedor é, portanto, e certamente, um roteiro batido, previsível e até óbvio demais. Tem como referência constante Rocky, O Lutador e não parece mostrar preocupação alguma com isso. Na realidade, até a primeira hora (que apresenta e deflagra a família dos irmãos), o filme demora a passar e assusta os espectadores – mesmo sendo uma brilhante encenação, nada acontece e o filme quase não se sustenta; além disso, a direção de David O. Russell é quase primária e equivocada.

Porém, numa reviravolta de eventos (também nada surpreendentes), a família e seus laços afetivos são postos à prova. Mesmo sendo previsível, O Vencedor tem cenas muito bem trabalhadas, que cativam e prendem a atenção. Os quarenta minutos finais, em compensação, passam voando – uma sequência de cenas fortes que abalam qualquer cristão. Assim como na história de Rocky Balboa, um clima de devoção e aliança se estabelece, deixando todos muito emocionados.

Mark Whalberg, que não é lá grande ator, parece receber uma entidade e literalmente arrebenta – esse, sim, deixa todos pasmos. Através de uma atuação segura e inteligente, Whalberg torna-se o fio condutor entre seu irmão, seu novos treinadores e sua família. Decerto, Micky só sabe uma coisa – mesmo sendo um maluco, seu irmão Dicky entende de boxe e é a única pessoa apta para transformá-lo num grande vencedor, assim como o é, inversamente - Micky é o único que, ao dar essa confiança ao irmão, poderá oferecer-lhe suporte para mudar de vida e largar o crack.

Christian Bale, como de costume, é um ator entregue. Compõe um junky na medida certa, assim como trabalha com brilhantismo a questão das frustrações do personagem. Forte candidato ao Oscar 2011 de melhor ator coadjuvante.

As atuações de Amy Adams e Melissa Leo merecem ser comentadas – boas interpretações, que auxiliam Whalberg e Bale a todo instante.

O Vencedor, mesmo concorrendo a Melhor Filme, não merece levar o prêmio. E o motivo é muito simples - como dito acima, não passa de um filme previsível.

Mas um que, ao menos, é conduzido por bons intérpretes, e tem algo que Rocky não tem: bom-humor, boas tiradas e sacações, dando um clima cômico ao cenário suburbano americano.

Scott Silver foi muito feliz ao adaptar esta história para o cinema. A história de Micky Ward -

http://www.asbaladas.com/2011/01/o-vencedor-compare-as-cenas-do-filme.html

Um filme que dialoga com milhões de famílias idênticas a essa, que passam por desafios semelhantes. Uma estória sobre superação e glória.

Parabéns!!

O título não poderia ser outro.

Fica dica!

"Conversando com Mamãe", 2011, Susana Garcia

2011-02-06T12:12:00.000-08:00

Numa bela tarde de domingo, um filho (Herson Capri) resolve fazer uma visita a sua velha mãe (Beatriz Segall). Surpresa, ela passa a se preocupar com o que fazer para o jantar, como faria qualquer mãe, até a inesperada notícia: Jaime perdeu o emprego e sua única saída financeira seria vender o apartamento dela, desalojando-a, assim, mas propondo que se mudasse para a casa dele, mais precisamente para o quarto da demitida empregada doméstica. Ela, muito delicadamente, explica-lhe que isso seria um absurdo, e o faz da seguinte maneira: primeiro, dizendo-lhe que tem novidades também – um namorado, quinze anos mais novo; depois, revelando que o tal já mora ali com ela...

A partir daí, um papo informal entre mãe e filho toma um rumo mais intimista, sério e desvelador. Assuntos como sexo, casamento, amor, solidão e vida permeiam um encontro que parece tão simples mas que, no fundo, tem um peso significativo. Já viúva, ela tem como protesto fundamental a ausência de seu filho, a qual torna as coisas mais difíceis. Através de um texto equilibrado – que passeia bem entre o drama familiar e a comédia – , um filho, desesperado, procura a solução para seu problema, enquanto sua plácida mãe remonta fatos da família e relembra situações importantes.

Beatriz Segall dá um show à parte. No que concerne ao humor necessário, surpresa geral – ela tem impecável “timing” de comédia. Sua atuação embarca num clima “be happy” e faz com que boas risadas sejam extraídas da plateia. Segall traz aos palcos uma senhora de seus 80 anos, lúcida, esperta e, principalmente, divertida, jovem e pragmática. E, quando necessário, deixa-se levar suavemente pelos momentos mais delicados da peça – formidável.

O texto de Santiago Carlos Oves também ajuda – discorrendo de forma bem realista e nada presunçosa sobre a vida, propicia momentos em que tanto Herson quanto Beatriz parecem realmente formar ali uma família batendo boca. Momentos dramáticos e cômicos muito bem costurados e uma direção impecável. Uma peça sem grandes movimentações e com harmonia entre os intérpretes, facilitando a credibilidade da situação e colocando sempre os atores em contato um com o outro.

Em alguns momentos, Herson Capri deixa a peteca cair – esbalda-se numa atuação ansiosa demais, da qual não se tem necessidade. Beatriz Segall é quem dá o tom – muito segura e esperta.

Definitivamente, como situou Herson Capri ao abordar a plateia, Beatriz Segall é uma dama do teatro, e, assim, “já” é um ícone dos palcos brasileiros.

Uma estória simples, mas tocante – com a qual fica impossível não se emocionar.

Fica a dica!

"Um lugar qualquer", 2011, Sofia Coppola

2011-02-03T10:09:00.000-08:00

Não é necessário argumentar quando se diz que o homem é movido pelo desejo.

Qualquer pessoa tem como vontade fundamental ser feliz, e, para tal, deseja passar de um estado para outro; deseja, portanto, realizar “coisas”.

Um lugar qualquer dialoga com essa questão.

Jonhny Marco (Stephen Dorff) é um jovem ator, galã e astro do cinema americano. Chegou cedo à calçada da fama, com apenas 30 anos, e já dispõe de uma fortuna incomensurável. É adorado pelos quatro cantos do planeta e goza de uma vida de príncipe. Tem como "ativo" os filmes e propagandas que faz e como "passivo" uma Ferrari, hospedagens em hotéis luxuosos e uma filha de 11 anos, que faz questão de sua presença, já que, nos últimos anos, Johnny quase não apareceu.

Johnny, obviamente, tem claras dificuldades em se relacionar com as pessoas, além de habilidades sociais pouco eficientes. Decerto, um tímido convicto. Somado a isso (e, talvez, devido a isso), assim como milhares de pessoas, Johnny sofre de uma doença chamada - marasmo. Ao longo dos anos, foi se acomodando num estilo de vida pra lá de hedonista, em que as relações foram se tornando obsoletas e sem sentido. Johnny enclausurou-se numa bolha e deixou-se levar pelos paparicos que a fama lhe ofereceu. Ter tudo de bandeja, como se diz, tornou-o quase catatônico, impossibilitado de ir atrás de coisas significativas. Ele deixou apenas pequenos prazeres serem atendidos, aos poucos e sistematicamente; basicamente, levou-se a deixar sua vida de lado, dando espaço apenas para o personagem – o sensacional ator de Hollywood.

Pode-se dizer, então, que o novo filme de Sofia Coppola fala sobre a falta de uma inquietação, de um instinto desejante, que pode levar o homem ao coma ou ao nada. Fala sobre o homem que não se encontrou, que ainda não sabe o que quer - um assunto que toca a todos.

Sartre já dizia que a não escolha também é uma escolha.

Assim, para Johnny veio a depressão, e, junto com ela, uma sensação de vazio e impotencia diante da vida. Como ele mesmo constata no filme;

– Eu não sou nem uma pessoa...

Sofia Coppola tem méritos. Seus filmes certamente ainda não são fascinantes; porém, seu olhar quase clínico sobre a vida dos outros e sua habilidade em transformar uma ideia, ou um olhar, em planos e quadros é, indiscutivelmente, invejável. Em ingles, poderíamos dizer: She seizes the moment! ("Ela 'captura' o momento!").

Às vezes, pessoas "ligam no automático certas atitudes, comportamentos e a própria obtenção de prazer, ficando completamente ausentes e ignorantes quanto a tais ações.

Um lugar qualquer narra a história de Jonnny, um cara que se ve estacionado e sem ter para onde ir. Um dos melhores papéis de Stephen Dorff. É muito bonita a transformação que a vida dele sofre quando sua filha a transpõe e os dois passam a dividir experiencias. O contato com a filha, algo com significado, move montanhas...

Sofia Coppola, de fato, compreendeu bem este universo - registra um olhar sensível e profundo. Há planos que falam por si só, "imageticamente" preenchidos de sentido.

Por outro lado, quanto ao conjunto final, Sofia exagerou nas tomadas e planos. O filme é contemplativo demais, chegando até a ser exaustivo e repetitivo. A montagem existe, talvez, a fim de aliviar a experiencia para aqueles que queiram algo mais fluido. Decerto a lentidão do filme quis imprimir a falta de volição do protagonista, mas, mesmo assim, seria possível faze-lo de outra maneira.

E outra coisa - enquanto Uxbal (Biutiful, 2010, A. Inarritu} faz de tudo para salvar seus filhos num universo pobre, sujo e desesperador, Johnny Marco faz de sua vida austera uma odisseia trágica...

Há um provérbio chines que diz assim - "Se voce acha que sua vida está ruim, compre um bode e o coloque na sala de estar..."

A dica fica. A menina sabe o que faz.

"Inverno da Alma", 2011, Debra Ganik

2011-02-03T08:49:00.000-08:00

Ree (Jenniffer Lawrence) mora num interior desolado, abandonado e quase western dos EUA. Sua família está prestes a perder a casa onde moram, pois seu pai se meteu em encrencas e está sendo processado pela justiça. Para que isso não aconteça, Ree deve provar que seu pai esta morto e, assim, isentar todos de tal sanção.

O problema reside justamente nessa missão – as pessoas que poderiam auxiliá-la à desvendar o paradeiro de seu pai transam assuntos associados a produção de drogas (leia-se: assim como seu pai no passado) e, portanto, não querem ser incomodadas. Parece que, depois que saiu da prisão, o pai de Ree passou a dar informações demais à polícia, desestabilizando os ânimos e levando todos a um profundo e misterioso silêncio sobre o assunto.

Inverno da alma, na realidade, não é sobre isso. É um filme que faz um alerta. Tem como cenário uma América pobre, esquecida e sem lei. Enquanto em NY e Los Angeles o progresso segue adiante e o uso da droga aparece como hype , a diretora Debra Ganik mostra na fita o outro lado da moeda – um povo que, para sobreviver, desprovido de assistência, e, principalmente, quilômetros a distância da riqueza que o país ostenta, cria suas próprias leis e sistemas.

Filmes que fazem recortes sobre a vida de um exclusivo personagem têm como elementos fundamentais o destrinchar de seus sentimentos e a exibição de seu marasmo ou empenho para sobreviver. Em nenhum momento o filme torna-se clichê ou moralista, e sua graça repousa justamente nisso - é a narração da árdua e infortunada história de uma menina de 17 anos que assume responsabilidades acima de qualquer suspeita. Fica como positivo o cenário remontado – uma parte pobre e esquecida dos EUA, que representa a origem da droga dos americanos. Enquanto outros filmes focam no próprio tráfico, nas máfias e, claro, nos famigerados usuários, Inverno da alma salienta o estado em que se encontram partes da sociedade, apodrecidas, esquecidas e paupérrimas. Mostra como "funciona" o alistamento militar...

É um filme tremendamente arrastado - proposta que talvez tenha surgido para dar o clima de atraso e apatia de um lugar tão desolado.

Para aliviar, a fibra e o calor de Jenniffer Lawrence iluminam e sustentam um filme que demora a passar. Em nenhum momento a jovem atriz parece perder o foco, e entrega, assim, um trabalho conciso e forte. Parece até que a mesma está realmente sofrendo junto com a personagem.

É uma jovem atriz que irá certamente estourar. Trabalha todas as nuances de forma muito segura e implosiva, traduzindo, então, as cenas em fortes momentos, emocionantes e difíceis de engolir.

Fica a dica, para aqueles curiosos, contemplativos e calmos.

"Cisne Negro", 2011, Darren Aronofsky

2011-02-02T08:45:00.000-08:00

Darren Aronofsky certamente possui algo que é indispensável para um cineasta – inventividade.

Seus filmes anteriores de maior atençao, “Pi”(1988), “Requiem para um sonho”(2000) e um mais atual, “O lutador”(2009), apresentam personagens que almejam algo ( sim, 1a aula com Robert McKee [rs]), porém, que se veem inertes, presos a um marasmo sufocante, em que parecem estar sem saída.

Cada um deles encontra uma forma de resolver suas angustias. O primeiro bola uma teoria; o segundo, uma adiçao; e o terceiro, uma relação.

Aronofosky é, portanto, conhecido por trazer às telas dramas muito particulares; questões íntimas e contemplativas; a batalha entre o ego e o super ego, o certo e o errado, o dever e o prazer, e, por fim, as sensações de derrota e vitória, as frustrações e os exitos.

Cisne Negro, claramente, não foge disso.

Quem não desejou uma posição, um lugar, um emprego?

Quem nunca quis ser igual a alguém, para se chegar "lá"?

Quem já não disputou tal lugar?

..... e, uma vez lá em cima, quem não se viu numa posição invejada?

Nina Sayers (Nathalie Portman) é uma jovem e doce aspirante a bailarina na cidade de Nova York. Ve em Beth Macyntire, grande bailarina, seu futuro, tudo aquilo que almeja ser. Nina não faz outra coisa que não observá-la, segui-la, imitar-lhe e…….....e........!

Nina faz parte de um corpo de dança que começa testes para um novo espetáculo – O Lago dos Cisnes. Beth, cotada para principal, já não é um rostinho novo e isso passa a ser uma séria questão nos bastidores da produção. Além disso, ela sofre um acidente que a deixa imobilizada; logo, o papel passa a ficar aberto. Todavia, como sua discípula velada, Nina surge com um talento excepcional que lhe dá credenciais suficientes para atingir o ponto alto de sua carreira – é convidada, portanto, a ser o disputado cisne, no lugar de Beth.

Tanta devoção e empenho lhe garantem elogios nos ensaios como o cisne branco: ela apresenta algo terno, delicado, suave, pueril e "bondoso"- adjetivos que também traduzem muito bem sua personalidade e temperamento.

Contudo, o diretor, Thomas (Vincent Cassel) todavia, está insatisfeito com Nina. Ele quer da moça ambos os cisnes, o bem e o mal, o céu e o inferno – duas interpretações. Thomas mostra-se preocupado com a jovem, pois ele não consegue enxergar o outro lado deste jogo – o cisne negro.

Aronofsky pinça justamente esta temática: as fragilidades de uma jovem atriz, que, "virgem", casta e ingenua, não consegue compor um personagem tão distinto de si – provocador, amoral, cruel e impiedoso. Ainda que ela, por outro lado (e ironicamente), tenha revelado malícia em espreitar, investigar e absorver tudo aquilo que Beth podia ostentar.

Afinal, quais são os atos realmente perversos? Aqueles conscientes ou inconscientes?

No palco, deixa-se a luz da inconsciencia?

Tal infantilidade, somada a uma insegurança do tamanho de seu talento, passa a atormentar os pensamentos de Nina, que agora, e para completar, tem diante de si Lily (Mila Kunis), outra garota, mais safa do que ela e tão bela quanto, que disputará o papel de cisne. Lily é o perfeito cisne negro – esbanja sensualidade e arrogancia, alem de ser altamente sedutora. Aproxima-se de Nina de forma avassaladora.

Nina agora encontra-se no mesmo lugar que seu ídolo, uma posição ameaçadora. Atrelada a isso, uma paranoica sensação de perseguição a assombra vertiginosamente.

Atores, personagens e os desafios relacionados a este ofício são assuntos recorrentes na cinematografia americana, e neste filme, nada fica de fora – Natalie Portman traduz todos os medos, fofocas e competitividade habituais – Darren Aronofsky aproveita o talento indiscutivel de Portman, e extrai da mesma uma atuação angustiante, com a camera colada em seu rosto a todo instante. Uma dança fascinante...

Certamente, N. Portman é uma candidata de peso ao Oscar 2011. Já é uma das atrizes mais importantes de sua geração.

Aronofsky, como um sábio maestro, conjuga duas discussões mais que pertinentes, e entrega um filme eletrizante, que deixa qualquer um imóvel e atento. Uma fotografia não só contrastada, mas que preza pelo claro e escuro, reluzente e obscuro. A transformação de Nina, sua paranoia e alucinações tomam uma dimensão jamais vista, a partir da qual Aronofsky explora ambos os lados, a ambiguidade da personagem e uma naturalidade nada maniqueísta. Aronofsky não só executa uma dança espetacular entre a camera e Portman, como opta em trabalhar a edição de som de maneira muito sensitiva - Um primor!

Há uma música do Lulu Santos que diz:

"Não leve o personagem pra cama

Pode acabar sendo fatal

Então desmonta logo esta máscara

Voltamos à estaca zero

Fica tudo igual.. Normal"

E o que fica é:

Quão suscetíveis são as personalidades?

Quão subserviente pode uma pessoa ser a seu desejo mais íntimo?

Natalie Portman responde, e com um gran finale para ninguém botar defeito algum.

Parabéns a ambos!!

Fica dica! E, ao Oscar, vamos nós !!

Entrevista do diretor -

http://www.youtube.com/watch?v=tqmvBuD4o1U

"Biutiful", 2011, de Alejandro Inarritu

2011-02-02T08:19:00.000-08:00

Grandes diretores deixam marcas para toda uma vida.

Alejandro Inarritu é um deles.

'Biutiful' é, acima de tudo, um filme atual. Inarritu desenha um panorama sócioeconomico mundial, especialmente espanhol, no qual deixa um olhar pessimista percorrer os espaços onde vivem os imigrantes chineses, a pirataria, o trafico de drogas e a integridade da policia.

Um filme pessimista, certamente. Um filme que explora a natureza da humanidade diante das adversidades - uma que estipula um próprio código de conduta diante de desgraças e infortúnios. Onde entra a moral e a ética? Sendo a 1a o modo como opero na sociedade e a segunda aquilo que espero fazer com a sociedade.

Nadando contra todas as adversidades, existe um homem, Úxbal (Javier Bardem), vitima de câncer, desempregado, divorciado e pai de dois filhos. Uxbal vive cada dia como se fosse o ultimo – trabalha como mediador entre policia e africanos que vendem pirataria nas ruas, auxilia os chineses a se espalharem e arranjarem emprego e, inusitadamente, possui um dom especial – conversa com os mortos e os ajuda a enfrentar a passagem para o céu. Os que ficaram pedem para a Uxbal que faça contato, como uma espécie de adeus. Exótico e tocante...

Tudo isso a um precinho módico, claro.

Ao descobrir que tem apenas 2 meses de vida, Uxbal passa a se preocupar com o futuro de seus filhos. Percorre todos os âmbitos, procura ganhar mais dinheiro e até pensa em restabelecer contato com sua ex, mãe dos meninos, que não passa de uma fracassada, perdida, maluca, bêbada e depressiva. Nada dá muito certo e Uxbal passa a encarar a vida (ou o fim dela) com outros olhos. Talvez, entre tanta gente tentando sobreviver - um egoísmo razoável e esclarecido - Uxbal consegue extrair algum altruísmo de seus atos, uma espécie de sensação de comunidade.

Entre presos, mortos e feridos, Inarritu faz de ‘Biutiful’ uma condição humana. Um espelho de dias atuais e, possivelmente, a visão pessimista de que o progresso levará o homem de volta à selvageria, velada, sob um céu metálico e esfumaçado, mas tão cruel quanto a de outros tempos mais bárbaros.

Dirigido com extrema delicadeza e tomado de imagens conceituais, ‘Biutiful’ deixa sua marca, e tem como pecha somente a tristeza colossal que rende todos indubitavelmente. Um filme que livra o homem de vez de um carater maniqueísta e que sugere um ideal quase utópico sobre o futuro.

Não é possível enxergar algum alivio neste filme.

‘Amores perros’, ’21 gramas’ e ‘Babel’ são semelhantes – retratos ásperos, duros e vivos sobre o homem e sobre as saídas que este escolhe por aí.

Javier Bardem não surpreende – é um ator perfeito em todos os sentidos. Indescritivel.

Um filme ‘puxado’, como disse um espectador ao sair da sala de cinema.

Fica dica, para dias de extremo bom humor.

PS: Vale a pena notar a qualidade dos 'planos sequencia' - Inarritu permite que as cenas corram soltas na mão dos atores; algo dificil de fazer e um colírio para os olhos.

"Tropa de Elite 2", 2010, José Padilha

2010-10-18T14:41:00.000-07:00

Tropa de Elite - o primeiro - foi uma "brincadeira". Uma espécie de exercício em que José Padilha ousou criar, ou melhor, recriar o clima e ambiente carioca – tiros, drogas, favelas e o caveirão. Fruto de Cidade de Deus.

-> Um filme que despontou como sendo o melhor filme já produzido no Brasil.

No que concerne a produção, talvez; ao roteiro, jamais.

Mas, tudo bem, deixemos Padilha pensar assim.

Afinal, de tão eufórico com seu próprio falo, ele não sossegou e traz hoje a continuação da história – Tropa de Elite II, a missão. Aliás, “O inimigo agora é outro.”

Neste, Cap. Nascimento é "expulso" do BOPE e realocado para a Secretaria de Segurança Pública, um lugar onde assume o mais burocrático dos trabalhos, além de uma posição "privilegiada" para observar a sujeira, podridão e canalhice a que estamos submetidos – o cenário político brasileiro e, especialmente, o Rio de Janeiro com seus governantes e polícia e as milícias criadas pelos mesmos. E, como se não bastasse esse universo angustiante e sufocante, seu filho, agora com 8 anos, compreende o que seu pai faz da vida, e torna os momentos de lazer de Nascimento um drama familiar, em que só consegue ver o pai como um monstro.

Et voilà, temos o filme.

Um filme aprimorado no que concerne à técnica e à linguagem. Tomadas, planos, câmeras na mão, gruas espetaculares e, em suma, uma filmagem opulenta - fotografia bem pensada e autoral. Um roteiro com alguns furos e absurdos, mas que existem para deixar a história apimentada – beiram o melodrama novelístico, mas que não depreciam de forma alguma o resultado final.

Como disse um jornalista, Tropa de Elite 2 é fundamental.

Escancara, exibe e arremessa na tela do cinema, na cara do espectador a realidade do sistema político carioca. Denuncia a fragilidade de uma cidade que de maravilhosa tem somente o "caráter" de seus administradores.

Wagner Moura lidera um time de atores espetaculares e que dispensam outros ou mais elogios.

Desta vez Padilha pode comemorar e demonstrar sua arrogância habitual –

TE 2 é um filme como nenhum outro.

Mesmo copiando algumas coisas de Batman – O cavaleiro das trevas, do genial C. Nolan, e fazendo de Wagner Moura um justiceiro vingativo à lá Chuck Norris/Charles Bronson (nada contra!), TE 2 é imperdível.

Fala ao brasileiro sem censura e isso é fundamental.

Fica dica!!!

"Lope", 2010, Andrucha Waddington

2010-10-18T14:23:00.000-07:00

Definitivamente o cinema brasileiro decolou.

Lope de Vega é conhecido como o fundador da comédia teatral espanhola. O filme narra sua trajetória de soldado do exército a autor, além de exibir seu "talento" com as mulheres e uma época paternalista, hipócrita e tradicional do império espanhol. Lope colheu na corte e na burguesia espanhola a inspiração para suas famosas peças recheadas de críticas, sátiras e escândalos conjugais.

Tanto fez, que em dado momento foi preso por difamação e por zombar da honra de famílias tradicionais. Felix Lope de Vega, assim como seu contemporâneo W. Shakespeare, escreveu milhares de peças e marcou uma época.

Mesmo sendo arrastadinho, "Lope" é um filme comovente sobre amores, sonhos e garra. A começar pela fotografia assinada pelo brasileiro Ricardo della Rosa – deslumbrante, impactante e que fala por si só. Um filme bem amarrado e com belas performances - O elenco é de primeiro time: tanto os atores espanhóis, Alberto Ammann (Lope De Vega), Leonor Watling (Isabel) e Pilar López de Ayala (Elena) como Sonia Braga e Selton Mello executam seus papéis com verdade e serenidade.

“Lope” traduz com ricos detalhes sua história - uma produção chocante.

Andrucha Waddington cercou-se de profissionais excelentes, que - unidos junto ao seu talento notável - realizaram um épico de grande qualidade.

“Lope” é, sem mais explicações, um filme que não parece brasileiro.

Parabéns!

Fica dica!